(Nota del editor: la siguiente entrevista contiene algunos spoilers de “The Invite”).
Con la excepción de la secuencia de créditos iniciales, “The Invite” de la directora Olivia Wilde se desarrolla en un solo lugar: el apartamento de Joe (Seth Rogen) y Angela (Wilde) en San Francisco, donde reciben a sus vecinos del piso de arriba, Hawk (Edward Norton) y Piña (Penélope Cruz) para una cena increíble.
La película es un ejercicio magistral en un espacio limitado. El escenario sonoro de la diseñadora de producción Jade Healy, visto a través de la lente del director de fotografía Adam Newport-Berra, se convierte en un paisaje en constante cambio que refleja la montaña rusa de la velada incómoda, sexy y desastrosamente liberadora en la que el futuro de un matrimonio está en juego.
IndieWire se reunió recientemente con Wilde y Newport-Berra para discutir cómo lo lograron.
La siguiente entrevista ha sido editada y condensada para mayor extensión y claridad.
Las reglas: marcos dentro de marcos
Wilde: Comenzó con el grupo de expertos de Adam, Jade y yo luchando con el desafío del espacio limitado, y se nos ocurrió un cierto conjunto de reglas: la idea de que abrazaríamos marcos dentro de marcos, que usaríamos la arquitectura para crear barreras entre personajes que todavía tenían barreras emocionales (usaríamos espejos para permitir que los personajes compartieran espacio sin verse, usaríamos vidrio, usaríamos paredes) y luego eliminaríamos lentamente estas barreras.
Algunos motivos que se ven una y otra vez en la película, fueron parte de una lista de ideas que los tres presentamos al comienzo de la producción, y que Jade desarrolló cuando diseñó el set.
‘La invitación’
Newport-Berra: La forma en que contamos la historia fue a través de la composición, y Jade Healy, nuestra diseñadora de producción, trabajó estrechamente con nosotros para proponer un escenario que tenía muchos espacios, líneas y formas que se cruzaban y entraban en conflicto entre sí y formaban ángulos entre sí para que yo pudiera encontrar marcos para construir capas y profundidad.
Wilde: “Hannah and Her Sisters” no es una película de espacio limitado (entras y sales de esos lugares), pero todos los apartamentos en esa película realmente informaron nuestro apartamento y la forma en que usamos el espacio. Siempre pienso en la escena del cóctel, donde Carrie Fisher y Dianne Wiest están trabajando como proveedoras de catering, y están en la cocina, y la puerta de la cocina sigue abriéndose y cerrándose, y Sam Waterston está allí coqueteando con ellas. Es simplemente una de las mejores escenas de cualquier película, y fue una escena que no parece hacer referencia directa a la forma en que estábamos creando el espacio, pero fue un tesoro escondido de referencias que realmente informaron las puertas, los pasillos y las personas que se escuchaban entre sí.
‘Hannah y sus hermanas’©Orion Pictures Corp/Cortesía Colección Everett
Cuartos y Retenciones
Newport-Berra: No quería que me sintiera confinado; Quería sentirme liberada todos los días y entusiasmada por explorar el espacio. Eso significó ser decisivos en cómo mostramos el espacio y exponerlo en el tiempo. Hay una versión de la película en la que, en el momento en que entras al apartamento, ves todos los espacios; Tienes una idea del diseño. Pero en lugar de eso, retuvimos lo que mostramos, de modo que cada habitación adquirió un nuevo significado; Permitimos que cada habitación fuera definida por diferentes personajes.
Cada habitación representaba una parte diferente de su relación. El dormitorio estaba desordenado; tenía las paredes agrietadas y aún no lo habían pintado. Eso significaba todo lo que Joe y Ángela habían escondido debajo de la alfombra. La habitación (oficina) de Joe estaba igualmente desordenada y abarrotada. Eso significaba la incapacidad de Joe para afrontar sus problemas y su nostalgia y deseo de aferrarse al pasado, aunque no quisiera aceptarlo. Mientras que la sala de estar se convirtió en la proyección de Ángela de lo que ella quería que fuera su vida.
Paisaje y lentes
Newport-Berra: Quería que la película pareciera grande, dinámica y ambiciosa. Lo primero que le propuse a Olivia fue la idea de tratar la película como un paisaje. No importa si estás filmando un western masivo en el campo o un thriller en una ciudad, trato de aprovechar al máximo cualquier entorno que se me presente. Realmente se trata de contexto y escala. ¿Cómo nos liberamos dentro de ese espacio y cómo hacemos que ese espacio se sienta grande? Entonces significaba que nuestros primeros planos eran muy cercanos y nuestros amplios eran muy amplios. Quería que el apartamento pareciera lo más dinámico y amplio posible, respetando al mismo tiempo lo que estaba sucediendo en la historia.
La lente fue enorme. Fui muy específico sobre los tipos de lentes que usé en personas versus tomas amplias. Fui muy selectivo acerca de cuándo usaría una lente gran angular, y era muy escaso con el uso de lentes gran angular, y en realidad era solo cuando queríamos obtener alcance dentro de las escenas. De lo contrario, trabajábamos con lentes medianos y más largos y, a veces, usábamos los lentes más largos para comprimir el espacio y sentirnos más claustrofóbicos. Usamos lentes medianos para sentirnos más humanos, como si estuviéramos sentados al lado de los personajes.
‘La invitación’
Hablamos mucho sobre cuándo mostrar personajes juntos en un marco. Si te fijas, en gran parte de la película solo hay una persona en el cuadro a la vez, por lo que fuimos muy específicos acerca de cuándo incluimos dos tomas y cuándo incluimos cuatro tomas.
Al comienzo de la película, es soltero, soltero, soltero, soltero, o veremos solo a Hawk y Piña juntos, y a Joe y Angela en primeros planos separados. Trabajamos muy duro para establecer ese lenguaje de modo que cuando llegáramos a esa toma amplia (en la foto de arriba) donde los vemos a los cuatro en el encuadre, pensáramos: “Oh, algo podría pasar aquí”. Mientras que antes, veíamos a todos en su propia isla y tenían su propia versión de la realidad, porque todos ven esto desde un ángulo completamente diferente, y eso es lo que hace que la película sea tan divertida. Entonces, para luego llegar a un punto en el que los veamos a todos en el encuadre, creo que, visualmente, aunque inconscientemente, estás haciendo esta conexión de que: “Oh, tal vez estas cuatro personas puedan existir armoniosamente en el mismo espacio”.
Preciso, pero espontáneo
Wilde: Durante la preproducción, Adam y yo diseñamos (no sé si podemos llamarlo lista de planos, porque no éramos demasiado prescriptivos al respecto), pero sí su enfoque (filmar la película).
Nota del editor: Si bien Wilde y Newport-Berra comenzaron la producción con un plan sobre cómo abordar el rodaje, como informó anteriormente IndieWire, Wilde abrazó la improvisación durante una fase de trabajo de dos semanas que luego se extendió a los 23 días del rodaje. El rodaje cronológicamente permitió a Wilde y a los demás actores comenzar cada día de rodaje jugando con el diálogo, la historia y la puesta en escena de las escenas de ese día.
‘La invitación’
Newport-Berra: Cada uno de los actores llevó la historia física de la película hasta ese momento, por lo que pudieron aportar mucho. Simplemente ves las cosas de manera diferente. Notas más cambios y puedo apoyarme en esos cambios.
Wilde: No iba a decirles a estos actores exactamente dónde estar o cómo estar, pero todos son cineastas (Rogen y Norton son directores consagrados), así que cuando describí el enfoque y la teoría detrás de cómo íbamos a usar este espacio, estaban muy intrigados por la idea de que podíamos usar la arquitectura y el encuadre para permitir que la audiencia se sintiera al principio inquieta, increíblemente incómoda y socialmente incómoda, y luego lentamente desentrañar eso hasta quedar muy expuesta.
‘La invitación’
Estaban de acuerdo con la teoría y la entendían lo suficientemente bien como para que no tuviera que ser demasiado prescriptivo sobre dónde deberían estar o cómo deberían ser. Entendieron la tarea y pensaron: “Oh, lo entiendo. Si nos paramos en cuatro esquinas opuestas, crearemos un efecto inquietante e incómodo en la audiencia”.
Newport-Berra: Leíamos el guión todas las mañanas y hablábamos sobre la escena, y los actores naturalmente gravitaban hacia los lugares. Y entonces Olivia y yo estaríamos mirando (o simplemente estaríamos mirando si Olivia está en la escena) y comenzamos a reorientarnos: “¿Qué pasaría si te sentaras allí? ¿Qué pasaría si te sentaras detrás de Olivia? ¿Qué pasaría si te sentaras más lejos? ¿Qué pasaría si te sentaras en esa silla?”.
De repente, la dinámica comienza a cambiar drásticamente debido al hecho de que pensábamos que estábamos muy familiarizados con el espacio, pero ahora se ve desde diferentes ángulos. Esos son los grandes cambios paisajísticos que pudimos realizar en un espacio tan pequeño y creo que resonaron.
‘La invitación’
Nota del editor: para dar un ejemplo de cómo funcionó todo esto, Newport-Berra señaló la escena hacia el final de la película, donde Piña, una terapeuta, comienza a analizar el matrimonio de Joe y Ángela. Es una escena ambientada en la sala de estar, que fue la habitación más rodada de la película y que ya había sido vista desde varios ángulos diferentes.
Newport-Berra: Esa escena de la que hablamos mucho. Queríamos que el espacio se sintiera diferente (fresco no es la palabra correcta porque no lo era), había mucho peso previo a eso.
Nadie se había sentado en esa silla con correas de cuero en la que estaba Penélope hasta ese momento de la película. Olivia no se había sentado en ese sofá hasta ese momento de la película, e intencionalmente queríamos que Seth estuviera detrás de ella, para que no pudieran hacer contacto visual directo a menos que Olivia decidiera volverse hacia él. Había espacio entre Penélope y ellos para que ella realmente los viera como una pareja, y en esa silla se siente muy terapeuta.
Todas estas parecen decisiones insignificantes, no grandes, pero son decisiones enormes, y estos son momentos decisivos en la película en términos de cómo se desarrollaron las escenas.
“The Invite” ya está disponible en todo el mundo por parte de A24.
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