Cameron Woodhead
Actualizado el 27 de abril de 2026 a las 10:19 a. m., publicado por primera vez el 24 de abril de 2026 a las 3:03 p. m.
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TEATRO
Arte ★★★★
Teatro de Comedia, hasta el 17 de mayo
Una feroz discusión sobre la compra de un arte descarrila una vieja amistad en el satírico trío de Yasmina Reza, Art. La obra de 1994 fue revivida en Broadway el año pasado protagonizada por Bobby Cannavale, Neil Patrick Harris y James Corden, y el casting de esta nueva producción australiana también tiene brillo de celebridades, con Richard Roxburgh, Damon Herriman y Toby Schmitz entrando en un círculo de disputa estética brutalmente divertido.
J’accuse: Damon Herriman (izquierda), Toby Schmitz y Richard Roxburgh son amigos que se enfrentan por el gusto en Art.Brett Boardman
El conflicto estalla cuando Serge (Herriman) compra un cuadro (un cuadro completamente blanco, sobre un lienzo completamente blanco, con un par de modestas rayas, también blancas, atravesándolo) por una suma deslumbrante. Su viejo compañero Marc (Roxburgh) no lo puede creer. Desprecia la pintura, la denuncia como “mierda” y desarrolla una obsesión casi monomaníaca por lo horrible que es.
Manteniéndose firme, Serge, ofendido, defiende la obra de arte y contraataca el desprecio desenfrenado de Marc. La batalla estética pronto se vuelve intensa y personal; Las partes en conflicto empiezan a cruzar líneas rojas y su amigo común Yvan (Schmitz) intenta apaciguar a ambas partes.
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Los esfuerzos diplomáticos de Yvan resultan contraproducentes. Sus amigos de lengua afilada lo ven como un indeciso y dirigen su ira combinada hacia él. Mientras las pasiones y las pretensiones siguen volando, y sin término medio, parece que o el cuadro o la amistad tendrán que desaparecer.
El arte trata tanto de los contornos y la dinámica de poder de la amistad masculina como de las jerarquías tradicionales de valor estético. Ambos son objeto de un escrutinio humorístico en una obra que se desarrolla a partir de una premisa aparentemente trivial, luego bromea y discute y construye con una obsesión similar a la de Seinfeld una comedia costumbrista posindustrial, alimentada por los egos magullados de personas autoproclamadas sofisticadas y una sensación casi solipsista de indignación ante un percibido crimen contra el gusto.
Aunque las actuaciones utilizan acentos australianos neutrales, la producción de Lee Lewis conserva rastros de un enfoque bastante francés de la comedia, y Roxburgh incorpora el payaso físico a la mezcla. Su Marc –un poco libertino, arrogante, intelectual combativo– tiene una reacción anafiláctica ante el mal arte. Parece odiar tanto la pintura que le causa dolor físico real.
El elevado sentido de superioridad de Marc disfraza verdades más oscuras y patéticas, y hay una carga compleja en la batalla entre Roxburgh y Herriman, cuyo serpenteante y herido Serge tiene una sinceridad tan implacable que podría provocar el cínico en cualquiera.
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Como el hombre en el medio, Yvan de Schmitz demuestra ser un amplio complemento cómico para los extremos de los antagonistas de la obra, y ofrece lo más destacado del papel: un monólogo masivamente divagante y ensimismado (y una queja verdaderamente épica), ante un aplauso instantáneo.
El arte es una comedia que invita a la reflexión y que no escatima en entretenimiento, y la producción segura y constantemente divertida de Lewis es una rara oportunidad de ver estrellas de este calibre en vivo en un clásico moderno.
Revisado por Cameron Woodhead
TEATRO
Julio César ★★★
Arts Centre Melbourne, hasta el 10 de mayo
El asesinato de Julio César alteró el curso de la historia, pero no de la manera que pretendían sus asesinos. Bruto y otros conspiradores acabaron con Julio, sólo para allanar el camino para Augusto y el vasto Imperio Romano, que reemplazaría a la República que los asesinos querían defender. Esa ironía dramática no pasó desapercibida para Shakespeare, y la más abiertamente política de sus obras contiene lecciones que continúan resonando hoy.
No es necesario hacer mucho esfuerzo para ver cuán relevante es Julio César en un mundo que experimenta repuntes en el autoritarismo, la polarización y la violencia, y tampoco estamos exactamente ajenos a los ataques de decapitación que resultan contraproducentes. Curiosamente, en ese contexto, la última producción de Bell Shakespeare evita todo excepto el marco contemporáneo más superficial.
Este es un Julio César ambientado en algún lugar industrial oxidado, completo con una banda sonora de sintetizador oscuro y siniestro y un par de transformaciones marciales y espartanas después de que la obra deja escapar a los perros de la guerra. Es una visión especulativa, ligeramente distópica, con una estética vagamente de videojuego.
Desde la izquierda: Peter Carroll, Brigid Zengeni y James Lugton en Julio César de Bell Shakespeare. Brett Boardman
He visto a Marc Antony interpretado por mujeres, desde Robyn Nevin hasta Natasha Herbert. Aquí, el noble Brutus tiene el género invertido, y la actuación de Brigid Zengeni demuestra ser el ojo de la tormenta en esta producción, aportando una intensidad tranquila al idealismo de Brutus y una cualidad desgarradora a la escena en la que Brutus mantiene a su esposa Portia (Jules Billington) ignorante de sus planes.
La intriga política de la obra se desarrolla con rápida inevitabilidad, animada por el desaliño y la astucia de Cassius de Leon Ford, la clara complicidad de Casca de Gareth Reeves y Ray Chong Nee, James Lugton y Ruby Maishman que lo apoyan hábilmente como compañeros de conspiración.
Desafortunadamente, la pomposidad caricaturesca de Septimus Caton como Julio César no deja mucho espacio para el patetismo, aunque sí brinda al público más satisfacción cuando la primera mitad termina, como un thriller, a mitad de una puñalada.
Después del intervalo, las ruedas del carro se caen.
Zengeni y Ford en Julio César. Brett Boardman
Mark Leonard Winter como Marc Antony apenas hace sentir su presencia en la primera mitad y lo compensa en exceso en la segunda. No estaba seguro de si el actor estaba resfriado, pero el arco desde la figura de playboy hasta el actor serio carecía de definición, y la interpretación del verso parecía forzada por el estrés y la tensión, una intensidad que no propiciaba para dejar que la retórica hiciera su magia.
Dado que el discurso de Marco Antonio sobre el cadáver de César es una de las piezas de retórica política más famosas de todos los tiempos, eso no es ideal, aunque hay un flujo episódico después, y Zengeni, Ford y Reeves enfrentan su destino con sombría dignidad mientras los conspiradores cosechan lo que han sembrado.
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No se puede negar que el elenco tiene talento. Sin embargo, esta producción desigual no siempre aprovecha al máximo ese talento y puede parecer curiosamente distanciada, en comparación con otros Shakespeare contemporáneos, del mundo exterior al teatro.
Revisado por Cameron Woodhead
MÚSICA
Masayoshi Takanaka ★★★★★
El Foro, 26 de abril
No se esperaría que la audiencia de un prodigio de la guitarra japonesa de 73 años estuviera compuesta casi en su totalidad por superfanáticos del crowdsurf de entre 20 y 30 años. Pero Masayoshi Takanaka está aprovechando una nueva ola de interés, hasta su primera gira por Australia.
A lo largo de una carrera de seis décadas que abarca 39 álbumes de burbujeante fusión de rock disco y funk, Takanaka ha sido durante mucho tiempo un nombre familiar para el público japonés y los buscadores de cajas occidentales en sintonía con las delicias del subgénero “city pop” de Japón. A partir de la década de 1970, la prolífica carrera de Takanaka surge de la creencia de que la producción ingeniosa, los solos de guitarra implacablemente optimistas y las obras de arte veraniegas son un portal a los buenos tiempos. Entonces, ¿cómo es que en 2026 Takanaka será el billete más popular de la ciudad?
El guitarrista japonés Masayoshi Takanaka en el Forum, en un espectáculo que es justo lo que el público necesita.Richard Clifford
El consenso es que el algoritmo ha empujado a Takanaka a una nueva generación atraída por el escapismo de este universo para sentirse bien. (Que el resurgimiento se haya producido después de la pandemia no es una coincidencia). Este es un hombre que construyó una guitarra con forma de tabla de surf y aparece en su compilación de 1979, All of Me, levantando el pulgar mientras hace paracaidismo. Pura diversión.
Esta noche es contagioso. Con fanáticos vestidos con camisetas tropicales, parejas sosteniendo carteles y la sala gritando y gritando, Takanaka emerge con su traje rojo personalizado, gafas de sol y pajarita negra para una bienvenida de héroe.
La sala está jubilosa desde la apertura de la animada Laguna Azul, saltando y cantando riffs como si fuera un partido de fútbol. La increíble banda de siete integrantes lo exagera, levantando los puños y sonriendo todo el tiempo. Hay un canto agitando los brazos para Thunder Storm, una versión sensual de Europa de Santana (Earth’s Cry Heaven’s Smile), el tema de Raiders of the Lost Ark, solos de guitarra mientras está sentado en una silla rodando por el escenario y un solo de teclado para el cerrador del set Kurofune (Kaei 6-nen 6-gatsu 4-ka).
Cuando la banda se va, comienza el canto: “Tabla de surf. Tabla de surf”. Finalmente, Takanaka aparece con su famosa guitarra roja de tabla de surf (una guitarra integrada en una tabla de surf real) para un entusiasta Jumping Take Off.
Takanaka cautivó a la multitud con un alegre espectáculo en The Forum.Richard Clifford
“Me sentí muy feliz de tocar la guitarra con tu voz alegre”, dijo Takanaka antes del final. “Nos vemos pronto y espero paz y arcoíris”.
Entre vítores ensordecedores, la banda interpreta un triunfante You Can Never Come to This Place y, por primera vez en The Forum, veo a alguien haciendo crowdsurf desde el escenario hasta el fondo de la sala. Es el mundo de Takanaka; por una noche estamos muy felices de vivir en él.
Revisado por Marcus Teague
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