David Lowery describe su magníficamente extraña “Mother Mary” como una película sobre “cómo el arte puede tomar algo terrible y convertirlo en algo hermoso”, y él lo sabría. El guionista y director puede haberse hecho un nombre con películas independientes (“Ain’t the Bodies Saints”) y experimentos de género esotéricos (“A Ghost Story”), pero se construyó una carrera con películas como “Pete’s Dragon” y “Peter Pan & Wendy”, con películas que rescataron algo conmovedor y real del abismo creativo que es la cultura de los remakes de acción real de Disney, un truco de magia tan inefable que equivale a un acto corporativo de transustanciación.
Al igual que Christopher Nolan de la era de WB (aunque en menor escala), Lowery hizo un trabajo tan delicado al saltar entre “uno para ellos” y “uno para mí” que a veces era casi difícil distinguirlos. Alguien en la posición de Lowery podría insistir en que todos estaban a favor de él, pero después de dar testimonio de “Mother Mary”, me inclino más a creer que su inusualmente sincero trabajo de estudio surge de una profunda resignación al hecho de que algunos de ellos no lo estaban. Si bien varios de los largometrajes y cortometrajes de Lowery que no son de Disney han tratado sobre la capacidad única de la narración para adivinar el significado personal de un universo cruel e indiferente, sus trabajos de “pago” le han permitido explorar esa fascinación desde adentro hacia afuera: sublimarse en el proceso alquímico mediante el cual incluso los productos más obvios pueden convertirse en vasos sagrados de comunión para su audiencia.
La película más brillante e inescrutable de Lowery, “Mother Mary”, no sólo representa su intento abierto de reconciliar y confundir esos dos modos, sino que también ofrece una emocionante oportunidad de sumergirnos en el espacio liminal que los separa el uno del otro. Cristalizar la energía volátil, incluso violenta, que une las conexiones artísticas a través del espacio y el tiempo. Un psicodrama singular, hipnótico y formalmente libre que se desarrolla entre una diva parecida a Lady Gaga (Anne Hathaway) y la única persona que podría calmar sus demonios (Michaela Coel), esta película parlanchina se limita casi por completo a un granero sin calefacción en algún lugar fuera de Londres y, sin embargo, llega a sentirse tan vasto como la brecha sináptica que se extiende entre la literalidad y la metáfora. Una herida y su memoria. Una canción pop y la persona que la escribió.
En su nivel más básico, esta es una historia sobre una cantante muy famosa que necesita que su ex mejor amiga y colaboradora (ahora una reconocida diseñadora de moda con su propio taller) deje todo y se haga un vestido para su gran actuación de regreso al día siguiente. Las dos mujeres no han hablado en 10 años cuando la Madre María aparece en la puerta de Sam Anselm con ojos tristes y cabello fibroso, como un perro perdido atrapado en la lluvia, y su mejor amiga desdeñada aprovecha la oportunidad para aprovechar al máximo su influencia.
De hecho, la primera mitad de la película asume el tono fetichista de un ritual de humillación. La Madre Mary se estremece en medio del granero con la cabeza gacha mientras Sam reprende a la estrella del pop por dejarla atrás por otros diseñadores más blancos cuando su carrera se convirtió en una supernova. Un preludio de una de las actuaciones más imponentes que jamás haya realizado, Hathaway gime como un niño castigado mientras Coel siente el placer de un inquisidor en la tortura, sus ojos arden con la misma rabia que ha encendido su propia carrera desde que la Madre María prendió fuego a su amistad. Sam soñaba con ser la persona que armó a Juana de Arco, no la persona que encendió su pira; aspira a fortalecer a sus clientes, por lo que nada podría resultarle más ofensivo que ver a la Madre María, quizás la mujer más poderosa que jamás haya vestido, suplicando patéticamente al diseñador por su vida.
Los detalles de la crisis de la Madre María están mal definidos para una película cuyos personajes están unidos por un entrelazamiento cuántico (el single de regreso de la estrella del pop toma prestado su título del concepto de “acción espeluznante a distancia”), pero está claro que ella perdió de vista quién es en algún momento, una desorientación que puede haber llevado a otros desastres. La Madre María quedó cegada por las luces y ahora necesita la ayuda del único amigo que alguna vez la vio claramente si espera resurgir de las cenizas como un fénix, si espera recuperar algo personal del acto de interpretar una canción que será digerida por millones de fanáticos.
Tal vez, al ventilar sus viejos resentimientos, Sam pueda convocar a la Madre María a recuperar su espíritu artístico. “Esto no es una historia de fantasmas”, insiste descaradamente el cartel de la película, pero es una sesión de espiritismo. Si bien eso está claro mucho antes de que Lowery saque una tabla Ouija real y comience a desdibujar juguetonamente la línea entre lo real y lo representacional (una locura febril que permite que la primera mitad al estilo Bergman de la película se derrita en sus jadeos finales más inspirados en Fosse), la primera de las espectaculares escenas de la película se parece más a un exorcismo, cuando Sam obliga a Mother Mary a realizar la coreografía diseñada por Dani Vitale para su nuevo sencillo sin música. Aquí es donde la actuación de Hathaway cobra vida, su cuerpo poseído por una sinfonía de golpes de huesos y respiración dificultosa que dan dimensión física al poder de la fuerza creativa.
“¿Adónde van los fantasmas cuando ya no los necesitas?”, pregunta alguien, y parece como si los de la Madre María hubieran quedado atrapados dentro de ella y se hubieran desesperado por encontrar una salida. Como, digamos, un autor idiosincrásico que está vinculado a la propiedad intelectual del estudio, la estrella del pop está tratando de avanzar con un pie atrapado en el pasado, y acude a Sam desesperada por un vestido que pueda abrirla y proporcionarle un conducto para la expiación. Da la sensación de que todas sus canciones, un grupo de bops genuinos escritos por luminarias del pop Charli xcx, Jack Antonoff y FKA Twigs (que desempeña un papel fundamental ante la cámara), todas las cuales Hathaway interpreta de manera creíble a través de flashbacks intermitentes de la gira, tratan fundamentalmente sobre la ruptura de su amiga con Sam, incluso si resuenan con sus fanáticos en términos mucho diferentes y más románticos. ¿Cuál es la diferencia entre una canción pop desechable y una confesión profundamente personal? Quienquiera que lo esté escuchando, supongo.
Mother Mary insiste en que está buscando “un punto”, y es una maravilla ver a Hathaway agudizarse a medida que avanza la película, la actriz reuniendo su propio poder de estrella en un ícono digno de la arena que ha sido devorado vivo por la energía que le piden que dirija en el escenario todas las noches (“Le das a la gente la emoción de que le importes una mierda”, le dice Sam a Mother Mary). Su personaje se fortalece a través de su sumisión a la furia aniquiladora de Sam, y es igualmente creíble como una paloma herida y una mujer en la cima del mundo. El papel de Coel ofrece menos espacio para el movimiento, ya que se basa en la ineludible gravedad del imperio de Sam, pero el avance de “I May Destroy You” permite que esa ira se convierta en asombro cuando es necesario; al final, el amor y el odio que siente por la Madre María están tan estrechamente unidos como un verso y su coro.
Todo es bastante vago e incierto, como los contornos de una vieja amistad podrida; Las superficies de la película son tan simples como la letra de una canción pop, y sus profundidades tan ricas e ilimitadas como los sentimientos que esa misma canción pop podría evocar. Lowery se siente atraído por esa tensión, aunque también está cómodamente inseguro sobre lo que podría encontrar allí (esta parece la película más “para mí” que haya hecho y, sin embargo, me cuesta imaginar cómo alguien no podría verse a sí mismo en ella, o al menos enamorarse de su diseño). Los trajes vibrantes, a veces vaginales, de Bina Daigeler, la cinematografía evocadora de Andrew Droz Palermo y los etéreos efectos especiales de Daniel Wurtzel se combinan con las canciones y actuaciones para crear una claridad de visión que permite a Lowery perderse en el portal oscuro que crea para sí mismo, menos un salón de espejos que un agujero negro.
Es difícil aferrarse a los detalles de la relación de la Madre Mary y Sam, pero cuanto más separa Lowery a estas dos mujeres (entre sí y de ellas mismas), más palpablemente sentimos la conexión entre ellas y cómo podrían haber podido afectarse tan poderosamente entre sí a través del tiempo y el espacio durante los últimos 10 años. ¿Qué sucede cuando dos personas, o incluso dos lados de la misma persona, están unidos por un sentimiento compartido de ausencia inquebrantable? Lo mismo que pasó en otra de las películas de Lowery: Se persiguen hasta los confines de la tierra. Cada canción se convierte en una sesión espiritista, cada golpe en la noche se convierte en evidencia de un espectro. Virginia Woolf dijo: “A cualquier hora que te despertaras, había una puerta que se cerraba”. Esta seductora película los vuelve a abrir con la misma rapidez, mientras explora cómo el arte, y tal vez solo el arte, tiene el poder de curar las heridas que pueden hacer que duela tanto en primer lugar. No es una historia de fantasmas, es una resurrección.
Grado: A-
A24 estrenará “Mother Mary” en los cines el viernes 17 de abril.
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