Utilizando técnicas adaptadas del cine y la estética que le dan un giro surrealista al glamour del Viejo Hollywood, el trabajo de Alex Prager combina imágenes fijas y en movimiento. Es sorprendente que haya tardado tanto en dirigir un largometraje, sobre todo teniendo en cuenta que la fotógrafa nacida en Los Ángeles también realiza cortometrajes desde principios de la década de 2010. De esta manera, “DreamQuil” es más una culminación que un nuevo capítulo: Elizabeth Banks, quien también apareció en el cortometraje de Prager de 2013 “Face in the Crowd”, incluso usa la misma combinación de cabello naranja zanahoria y lápiz labial rojo tomate que Bryce Dallas Howard en la primera película de Prager “Despair”.
Pero cuanto más expande Prager sus esfuerzos cinematográficos, más comprometida se vuelve con las exigencias de la narrativa, así como de la iluminación, la composición y el color. Y como sucede a veces con los artistas visuales que hacen la transición a la narración, la narrativa es el elemento más débil del debut cinematográfico de Prager. “DreamQuil” plantea algunas preguntas convincentes sobre las implicaciones de subcontratar las relaciones humanas a las máquinas, un tema relevante en la era de los “compañeros” de la IA y las nuevas empresas que prometen subir a la nube a sus seres queridos fallecidos. Sin embargo, Prager no es la primera cineasta que aborda estos temas y sus conocimientos sobre ellos son mínimos.
Lo más frustrante de “DreamQuil” es que no logra sacar conclusiones de sus hipótesis. Por supuesto, no depende de Prager y su coguionista (y hermana) Vanessa Prager resolver por sí solos uno de los mayores problemas existenciales que enfrenta la humanidad en el siglo XXI. Pero hacer una observación no es lo mismo que tener un punto de vista, y respuestas más reflexivas a las muchas preguntas de la película (en realidad, todo lo que obtenemos son algunas tomas de manifestantes portando carteles que dicen “Piensa mientras aún eres humano”) habrían ayudado inmensamente a “DreamQuil” desde un punto de vista narrativo.
Tal como están las cosas, la historia no es concluyente y cambia de rumbo cada vez que parece que está a punto de tener algo que decir. Una cosa que se mantiene constante en todo momento es nuestra protagonista Carol (Elizabeth Banks) y su insatisfacción con su vida. Le está yendo bastante bien en su trabajo, pero aún no ha recibido el ascenso que anhela. Su marido Gary (John C. Reilly) es atento, pero no está interesado en el sexo. Y tiene problemas para conectarse con su hijo Quentin (Toby Larsen), quien le dice desde el principio que en realidad no le gusta pasar tiempo con ella.
Por supuesto, no ayuda que la única forma en que Carol pueda ver a sus amigos sea virtualmente, ya que el aire en lo que se presume será la futura California está demasiado contaminado para salir sin una máscara de plástico parecida a una muñeca adherida a la mitad inferior de la cara. La atmósfera psicológica también es asfixiante, hasta el punto de que una “División Metropolitana de Suicidios” viene a limpiar a la mujer que salta desde el balcón del apartamento de la familia en la escena inicial. ¿Quién es ella? Lo descubriremos, aunque sea demasiado tarde para que importe mucho.
Y así, como en nuestra actual distopía capitalista tardía, Carol busca una solución consumista a sus problemas existenciales, inscribiéndose en el programa de bienestar femenino muy publicitado que da nombre a la película. Su amiga Rebecca (Sofia Boutella) le dice que es como “ayahuasca digital”, una forma de restablecer la química de su cerebro y su actitud en el proceso. Una vez que Carol se compromete con el proceso DreamQuil, una enfermera con un uniforme rosa interpretado por Juliette Lewis le inyecta una jeringa llena de una sustancia violeta brillante, lo que provoca la muerte total del ego mientras Carol vuelve a experimentar el día en el que casi se ahoga en el océano, excepto que esta vez, Gary no salta para salvarla.
Esta sensación de inseguridad doméstica se transmite a lo largo de los dos tercios restantes de la película, que incorpora dobles, cyborgs y recreaciones holográficas de los personajes femeninos de la película. Una vez más, hay algo aquí sobre misoginia y cosificación, pero Prager nunca logra una comprensión firme del tema. En cambio, utiliza estas figuras como accesorios en un ejercicio kitsch retrofuturista que se parece un poco a “The Stepford Wives”, a la que se hace referencia explícita en el diálogo, filmada al estilo de un melodrama de Douglas Sirk de los años 50.
El diálogo es sarcástico, las pistas musicales son conscientes y las actuaciones son un poco rígidas, mucho mejor para combinar con las carcasas de plástico duro de los cuidadores mecánicos que se supone que hacen la vida de Carol más fácil, pero terminan haciéndola sentir peor. Estos se combinan con efectos visuales antiguos que evocan clásicos en tecnicolor como “El mago de Oz”; esta referencia aparece a lo largo de la película, incluido el campo de amapolas que rodea a Carol durante una sesión masturbatoria “Minx” en la cápsula de realidad virtual con forma de huevo de la familia.
La combinación de referencias de épocas específicas en “DreamQuil” es muy deliberada e incorpora objetos y modas desde aproximadamente los años 1940 hasta los años 80. Aquí, Prager tiene confianza y no tiene miedo de hacer una declaración: las composiciones están compuestas tan meticulosamente como cabría esperar de un fotógrafo de bellas artes, haciendo un sorprendente uso de imágenes refractadas y poca profundidad de campo. El uso del color es exquisito, ya que Prager combina amarillos mantecosos, verdes menta, azules vivos y rojos vibrantes. Cada elemento estético de esta película está impecablemente juzgado: en un momento, el lápiz labial, las uñas, los tacones y el bolígrafo de Carol coinciden, y el efecto es impresionante.
Pero si bien simplemente admirar el aspecto de “DreamQuil” es suficiente para mantener el interés durante los breves 89 minutos de duración de la película, también significa que lo que queda en la memoria del espectador una vez terminada es una serie de imágenes y no ideas. En cierto modo, esto es apropiado para una película sobre una mujer que se siente vacía por dentro. Pero al final, “DreamQuil” está más interesado en admirar su reflejo en la brillante cara metálica de un robot que en descubrir lo que realmente significa ser humano.
Grado: B-
“DreamQuil” se estrenó en SXSW 2026. Actualmente busca distribución en EE. UU.
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