Durante unas semanas cada agosto, el Festival Internacional de Edimburgo y el Festival de Edimburgo Fringe llenan todos los teatros, el centro de estudiantes, la sala de conferencias y el sótano de Pub en la capital escocesa con actuaciones. Se alienta a los visitantes y artistas a atracarse en todos los sentidos: en solo seis días, pude ver veintiocho espectáculos, conozco que las personas más fuertes y mejores habrían hecho más y, mientras corría un pintoresco carril adoquinado, también pude ver a tres chicos borrachos barf en una sincronía olímpica perfecta. (Mi compañero señaló, principalmente, que había un concierto de Oasis en la ciudad).
A pesar del frenesí Dionisio, que no era simplemente borracho, sino a menudo dulce y social, me pareció una temporada particularmente incómoda. Usted escuchó en todas partes que el precio de las viviendas temporales en Edimburgo se había disparado después de que Oasis programó parte de su gira durante la primera mitad de la franja, por su parte, Liam Gallagher de Oasis describió el festival como “las personas que hacen maltratación de bolsas y que”, y que no se dio cuenta de que algunos facios de tiempo desde hace mucho tiempo, como los productos de la festival de tiempo, como los que hacen los dolores de la festival de los huellas, los dolores de la festival de la festival de la festival de la festival de la festival de la festival.
El espectáculo más grande del mes, y la ofrenda de marquesina del festival internacional, es “Make It It Hay It” de James Graham, un recuento del colapso de 2008 del Royal Bank of Scotland, que fue brevemente el banco más rico del mundo. Graham posiciona al CEO arrogante del banco, Fred Goodwin (Sandy Grierson), como una figura de la tragedia griega: un coro canta ralentizar las canciones pop cada vez que considera un desembolso particularmente engañoso de fondos, y es visitado por el desaprobador de Adam Smith, el protoconomista escocés y “Padre de Capitalismo”, jugado con desultorial por el desapego de Adam Smith. La escritura es tan calva como un guión de pantomima: “Su documento de oferta, Fred, es magnífico”, dice un empleado de Starstruck, y adopta una postura extrañamente sentimental sobre la culpa del financiero escocés. Incluso después de que Graham demuestra la codicia mundial del banco, termina la obra con Goodwin mirando con suerte en el horizonte, ya que un miembro del coro lleva un retoño metafóricamente cargado (¡nuevo crecimiento!) En el escenario. ¿Goodwin realmente necesita esta jarra de cuasi-redención? Revisé, y todavía está recibiendo una pensión de RBS por valor de seiscientos mil libras al año.
Pero, por supuesto, ese bien está el punto de “hacer que suceda”, hacernos verificar, hacernos mirar atrás. La obra de Graham, como muchos espectáculos en las ofertas de este año, funciona como testimonio y recuerdo. En todos los recientes manifestantes en torno a los memoriales problemáticos y si deben permanecer despiertos o bajar, rara vez observamos que las columnas dóricas falsas o las grandes estatuas ecuestres hacen un trabajo malhumorado al recordarnos nuestra historia. Las obras pueden obligarte a sentarte y recordar; Los monumentos le permiten caminar y olvidar.
Muchas de las mejores producciones que vi en la franja llevaron la posición de los memoriales vivos a los horrores. A veces, una insistencia en la precisión convirtió estos espectáculos en declaraciones políticas, ya sea que originalmente fueron diseñados de esa manera o no. El gran comediante-activista Mark Thomas, protagonizado como Frankie en el drama de la prisión en solitario de Edwards, “Criminal decente ordinario” (una de las dos ofertas de Paines Plough), hizo un trabajo tan bueno al presentar el caso de la solidaridad socialista con el IRA que el actor rompió la cuarta pared para ferrocarriles contra el ferrocarril real de la Marcha de Ordenar por la Ordenar por Irlandesa en el parque en el parque. “Ahora volvamos al guión”, dijo Thomas, después de sacudir un puño. El comediante Nish Kumar, que entregó una excelente montaña rusa de una hora de pie llamada “Nish, Don’t Kill My Vibe”, pasó tiempo recordando a la audiencia de las violaciones de Boris Johnson de la ley británica de bloqueo de Covid y de la negativa de la familia real a repatriar el diamante Koh-i-noor. (“No me importó la anciana”, dijo, refiriéndose a la reina. Claramente tiene menos afecto por Charles).
Niall Moorjani, en su obra “Kanpur: 1857”, en realidad describe un monumento existente, uno que todavía se encuentra en el Castillo de Edimburgo Esplanade, erigido en honor a los miembros del 78º Regimiento de las Tierras Altas perdidas en el llamado motín indio. Pero ninguna historia completa está escrita en piedra. El personaje de Moorjani, un rebelde atado a un cañón, tratando desesperadamente de aplacar a un oficial británico alegremente asesino (Jonathan Oldfield), enfatiza la complejidad de contar con precisión la historia de una guerra. El rebelde describe la masacre de cientos de mujeres y niños británicos a manos de los revolucionarios; También describen las represalias posteriores por parte de los colonizadores contra miles de indios. Moorjani termina su historia líricamente escrita sobre atrocidad y venganza asimétrica con la proyección de algunas líneas por Refaat al-araer, un poeta palestino: “Si debo morir / dejar que traiga esperanza / deje que sea una historia”. Al-Aryer fue asesinado por una huelga aérea israelí en 2023.
Un zumbido de tristeza desconcertada, o risas en Extremis, subyacentes a casi todas las producción que vi, incluidos varios espectáculos de una hora de duración, agresión sexual, terror del estado y confusión queer. El giro exuberante de la intérprete trans Chiquitita en la “tinta roja” sexualmente franca, un trabajo autobiográfico a menudo hilarante de una persona de la activista y trabajadora sexual Cecilia Gentili sobre crecer en trans en Argentina, está sombreado por la presciencia del texto sobre la muerte temprana de Gentili. Mi noche más ligera terminó con “conocimiento común”, un monólogo extraño y melancólico sobre criar a un niño no binario de Rosie O’Donnell, quien se mudó a Irlanda para evitar el largo brazo de Donald Trump y sus amenazas emitidas a través de la verdad. Esto surgió varias veces: el sentido de los artistas estadounidenses en el exilio, o demasiado asustados para volver a casa.
Mi trabajo favorito en la veta de retroceso a la veta de Victoria Melody fue el “problema, la lucha, burbujas y chirridos” de Victoria Melody, un relato solista deliciosamente extraño de su participación en dos asociaciones aparentemente muy diferentes: una sociedad de referencia civil inglesa y el centro comunitario de una urbanización social en una urbanización social, donde los residentes a veces son prohibidos por controlar sus espacios ecológicos locales. Los dos hilos de su historia se unen en su profundo interés en los excavadores, el movimiento de resistencia proto-socialista del siglo XVII que llamó a la tierra un “tesoro común” y argumentó que ciertos recursos deberían ser expropiados por la gente. En todas partes encuentra gente maravillosa, héroes cotidianos, dentro y fuera de la armadura. Melody usa un atuendo de mosquetero de lana roja apropiado para el período, y se disculpa por su copa de agua inapropiada de época (“¡Tengo un tanque que viene!”), Pero la mujer tímida, pequeña y divertida es realmente un radical en la ropa de Elf, que tiene un nuevo mensaje de rebelión utópica.
Las ofertas más exuberantes y físicamente hermosas a menudo eran de países donde el financiamiento de las artes del gobierno todavía respalda significativamente el rendimiento. The Brazilian production of Michel Marc Bouchard’s violent pastoral “Tom at the Farm,” directed in mud-covered, extravagantly physical fashion by Rodrigo Portella, transposes the original Canadian setting to a sepia-lit anywhere, where Tom (Armando Babaioff), forcibly re-closeted at his dead partner’s rural home, falls under the hypnotic control of his lover’s brutal brother (Iano Salomão). (El propio Babaioff adaptó la obra, galvanizada por la homofobia en su Brasil natal). Quizás la producción más impresionante que vi fue la pieza de teatro físico-teatro sin palabras “Works and Days”, de la compañía belga FC Bergman, en el Festival Internacional. Una vez más, el enfoque estaba en la Tierra: el espectáculo retrata una sociedad agraria colaborativa (actores literalmente hasta el escenario como si fuera el suelo, embrujando un arado por sus tableros, luego levantan un granero) que finalmente da la bienvenida a la tecnología en forma de una máquina de vapor de cobre. Una vez que llega este dios clementoso, los miembros de esta sociedad se retuercen desnudos en su sombra roja, pero nunca vuelven a colaborar en nada. Posteriormente, en el traspaso, el creador-actor Stef Aerts describió a su grupo de teatro como “nihilistas románticos”. La humanidad parece estar avanzando hacia su fin, dijo Aerts, pero se contentaron con saber que otras formas de vida continuarían sin ellos. Quizás “obras y días” también fue un monumento; Este extraño espectáculo, a menudo extasiado, fue como un rito fúnebre para todos nosotros, un poco antes de lo previsto. ♦
