Puede ser la más impresionante de las colecciones coloniales recientemente modernizadas, superando con creces el foro Humboldt muy criticado de Berlín. Un cambio loable es la variedad de medios exhibidos, no solo la escultura, que fue el primer arte primitivo llamado en abrir las puertas de los museos occidentales, sino joyas, plumas y textiles. Una galería particularmente hermosa está dedicada a las obras de los Andes, incluida una túnica de la Fleza de Camelida estampada con dos gatos carmesí que todavía se ve listo para usar después de quinientos años. Otra categoría ampliada es la fotografía africana, gracias a una donación del coleccionista alemán Artur Walther. Entre los representados se encuentran Seydou Keïta, Zanele Muholi y Samuel Fosso, cuyos juguetones autorretratos con el disfraz de los íconos negros del siglo XX gemen de los bronces y las máscaras.
El puñado de artistas vivos de The Wing siempre ha sido un poco incómodo: ¿por qué se exhiben las obras de algunos no occidentales en el Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo, mientras que otros se mezclan con objetos rituales y decorativos? Pero las yuxtaposiciones se han vuelto más perspicaces. Anteriormente, el escultor ghanés El Anatsui “Entre la Tierra y el Cielo” (2006), una hoja ondulante de límites de botella de licor intrincadamente vinculados, que refleja, entre otros temas, el comercio entre continentes, se mostró como una respuesta al arte tradicional de la región, particularmente la tela de Kente. Ahora se encuentra frente a una cuchara de marfil y salino tallado, en un estilo europeo, de Temne o artesanos de Bullom alrededor del siglo XVI, a la venta a los portugueses. La implicación es que la creatividad africana siempre ha sido global; Justo antes de la entrada del ala, una máscara de Baule utilizada en actuaciones teatrales comparte una vitrina con una antigua escultura romana de Pan.
“Trono de Njouteu”, una escultura de madera y cuota de la región de Bamileke de Camerún, fechada a finales del siglo XIX o principios del siglo XX.
Érase una vez, el Met tenía muy poco arte que no era de Europa, Asia o América del Norte. En 1942, Nelson A. Rockefeller, el padre de Michael, ofreció al museo su propia colección de obras africanas y precolombinas, pero el liderazgo Met se negó, lo que sugiere que lo llevó a Central Park al Museo de Historia Natural. El patrimonio cultural no occidental fue visto como forraje para la antropología, específicamente, el estudio de la prehistoria, hasta que los pensadores europeos aumentaron su estatura al vincular la estética “primitiva” con los movimientos modernistas. Rockefeller exhibió obras de su colección despreciada en MOMA y fundó el Museo de Arte Primitivo para ellos en los años cincuenta. Finalmente, el Met cedió, absorbiendo el MPA en un nuevo ala llamado así por el hijo desaparecido de Nelson, que abrió en 1982.
Luego, como ahora, la cobertura entusiasta habló de donantes visionarios, arquitectos ingeniosos y un museo finalmente listo para darle el arte no occidental. Sin embargo, si el tratamiento de artes finos parecía más respetuoso que la etnografía, también distanció las obras de las culturas donde se habían originado, exhibiendo objetos social y ritualmente significativos con la misma austeridad que las pinturas de campo de color o las sillas danesas. La renovación intenta corregir la corrección, presentando los objetos ni evidencia de “costumbres” atemporales ni como arte por el arte del arte, sino como la expresión vital de las comunidades.
Una máscara de cuerpo hecha por el Asmat de Nueva Guinea, desde mediados del siglo XX.
Tomemos, por ejemplo, el techo de la casa ceremonial de Kwoma, colgó deslumbrantemente sobre la galería iluminada por el sol adyacente al parque. Con más de cien pecíolos de palma del tamaño de una tabla de surf, cada uno pintado con diseños que evocan flora y fauna, es una réplica de un albergue de hombres ritual en el noreste de Nueva Guinea, cuyos creadores fueron comisionados, en los diecinueves setentías, por los Met. Pero se dejaron ignorantes de cómo se exhibiría. Para la renovación, el museo invitó a sus descendientes a consultar sobre una reinstalación en línea con sus creencias, y los entrevistó para una película en la galería sobre sus antepasados.
Lo que se transmite es que muchas artes tradicionales son, el fetiche occidental de la “pureza” previa al contacto, todavía se refinan. El tema se hace eco en videos que exploran la pintura contemporánea de la visión de la corteza australiana y la persistencia de las tradiciones de mascaradas en África. Una serie de la cineasta Sosena Solomon incluye imágenes de cascos de latón contemporáneos en Benin City, Nigeria. Miembros de un antiguo gremio empleado una vez empleado por la corte real de Benin, todavía se fortalecen después de medio milenio, aunque reducido a derretir el chatarra en un patio de tierra.
Las costas de latón de hoy funcionan a partir de imágenes en línea, porque las obras maestras de su tradición están en el extranjero. El ala de Rockefeller presenta varias docenas, un gallo con plumaje filigreado, la famosa máscara que representa a una madre reina y placas que una vez adornó el palacio real del reino, que las tropas británicas se levantaron y quemaron en 1897. El texto de la pared menciona la incautación de estos trabajos, que hicieron su camino a los coleccionistas como Nelson Rockefeller. Pero no se dice nada sobre la campaña de medio siglo para su regreso, o el creciente consenso en torno a su justicia.
Alemania y los Países Bajos, así como el Smithsonian, han renunciado o acordaron renunciar a la propiedad de sus obras de arte de Benin, al igual que numerosas instituciones más pequeñas. Una ola de libros, artículos de opinión y películas han abogado por la restitución de manera más general, haciendo tanto para popularizar una causa de un nicho que John Oliver lo ha tomado. Sin embargo, el Met indica simpatía con los esfuerzos de restitución incluso cuando monta un caso implícito contra ellos. Las menciones de la investigación de procedencia están en todas partes, y un fragmento de texto de pared cita con orgullo el regreso del museo de dos obras de Benin a Nigeria en 2021. Pero, si lees de cerca, verás que fueron robados del Museo Nacional del país en los diecinueve ocuos. En otros lugares, una instalación de video del artista Theo Eshetu documenta la recepción de un antiguo obelisco de Aksumite robado de Etiopía durante la invasión fallida de Mussolini y devuelto por Italia en los primeros dos miles. Los sacerdotes ortodoxos queman incienso, y las multitudes embreadas bailan a medida que se cría el monumento. Sin embargo, en ausencia de discusión de las propias obras robadas del Met, la ubicación del video se presenta como una desviación.
Una escultura de arenisca (1250-1521) hecha por el Huastec de México.
Así como los padres de un niño adoptado fraudulentamente podrían presumir de las oportunidades ampliadas que pueden ofrecer, el Met implica que su colección comparativa que abarca globos es un mejor hogar para tales obras que sus lugares de origen parroquiales. La información detallada sobre la guerra y esclavos de Benin recuerda a los visitantes que los saqueados también eran saqueadores, aunque busqué en vano etiquetas similares sobre la decoración del palacio europeo. Más idealista, una etiqueta titulada “Benin Court Art at the Met” nos informa que Alain Locke, padrino del Renacimiento de Harlem, quería que “el genio del arte africano fuera ampliamente accesible en una institución pública de Nueva York”. Es un refundición digno de los trabajadores metálicos de Benin. El legado de un multimillonario blanco del saqueo colonial es, realmente, el cumplimiento del sueño de un filósofo negro.
Algunos podrían protestar por que sea demasiado tarde para rectificar los robos centenarios, y que las disputas ya han surgido sobre la herencia de las obras repatriadas. Pero el problema no puede ser contenido para la era colonial. El Met periódicamente alberga a los visitantes de la Oficina del Fiscal de Distrito de Manhattan. En los últimos cinco años, el museo ha entregado decenas de millones de dólares de arte saqueado a Egipto, Grecia, Nepal e Irak. En el ala Rockefeller, se describe una escultura Igbo que representa a una mujer con hombros poderosamente cuadrados y un collar de garras de leopardo, en la etiqueta acompañante, como lo había estado en Abiriba, Nigeria, “hasta la Guerra de Biafran”, cuando probablemente fue tomado de una obu, o tradicional “casa de imágenes”, después de un ataque por parte de Nigeria. Hace varios años, Ike Anya, un médico que creció en Abiriba, encontró la cifra de OBU en el sitio web del Met. La escultura no solo estaba en almacenamiento, sino que su registro de procedencia omitió toda mención de la guerra. Indignado, Anya tuiteó en el Museo que esto era similar a decir, sin contexto adicional, que se había adquirido una pintura impresionista en Viena en 1942. No hubo respuesta, pero un amigo historiano del arte lo puso en contacto con un curador en el Met, que prometió abordar sus preocupaciones. Finalmente, Anya contribuyó con una discusión de la escultura a la Guía de audio, y también asistió a la reapertura de las galerías, donde se inspiró para ver “una matriarca abiriba de pie elegante y orgulloso”. Anya todavía siente que los “propietarios legítimos” de la escultura deben ser tomados de la escultura, me dijo, pero el gesto podría anunciar pasos más consecuentes. Después de todo, Rockefeller esperó cuarenta años para llevar su colección al museo. El mundo puede esperar unos años más para obtener lo que no pertenece allí. ♦
