Tamaño de texto normalTamaño de texto más grandeTamaño de texto muy grande
Lo que hace que una obra de arte sea escandalosa cambia con el tiempo. Los polos azules de Jackson Pollock causó indignación cuando fue comprado por la Galería Nacional de Australia por 1,3 millones de dólares en 1973, la mayor cantidad jamás pagada en ese momento por una pintura estadounidense. En 2023, la NGA lo valoró en más de 500 millones de dólares, pero para Australia es un tesoro de valor incalculable.
Para nuestra serie de verano, pedimos a galerías de todo el estado que nominaran los artículos más controvertidos de sus colecciones, descubriendo una variedad de cosas extrañas y maravillosas.
Lauren Ellis, directora curatorial, Galería de arte Bendigo
The Young Family (2002-03) fue creada por Patricia Piccinini para su presentación individual en el Pabellón de Australia en la 50ª Bienal de Venecia en 2003. La obra representa a una madre quimera exhausta entre un humano y un cerdo que amamanta a sus juguetones bebés, criaturas diseñadas por humanos para desarrollar órganos para trasplantes humanos. Fue la obra la que elevó el perfil internacional de Piccinini, mientras el público se enfrentaba no sólo a las cuestiones éticas que planteaba, sino también a las reacciones viscerales que desencadenaba.
La joven familia de Patricia Piccinini (2002-03). Crédito: Bendigo Art Gallery
Cuando fue adquirida por Bendigo Art Gallery, una carta de queja dirigida a la entonces directora Karen Quinlan la describió como una “monstruosidad”. Las extrañas criaturas son ciertamente divisivas: desconcertantes para algunos, adorables y identificables para otros. Las actitudes sociales hacia el cuerpo han cambiado drásticamente desde que se creó la obra. Varios movimientos activistas han cuestionado la difamación de los organismos no normativos. Por otro lado, los detalles realistas de pecas, arrugas, poros y pelos provocan reacciones físicas aún más fuertes en el mundo actual del botox y dermaplaning.
En el momento de su creación, muchos relegaron La joven familia al ámbito de la ciencia ficción. Menos de dos décadas después, en 2017, se crearon los primeros embriones de cerdo humano en California, lo que hace que el dilema moral en el centro de este trabajo sea más relevante que nunca.
Suzette Wearne, curadora principal, Parque de esculturas McClelland + Galería
En 2015, se instaló un enorme y reluciente gnomo de acero inoxidable en un lugar destacado junto a la autopista Peninsula Link en Frankston, en el sureste de Melbourne.
La respuesta inicial de la comunidad abarcó desde la admiración y el asombro hasta la confusión y el intenso disgusto. Las páginas públicas de Facebook que cubrían todo lo relacionado con Frankston se convirtieron en un espacio seguro para que los residentes hicieran comentarios curiosamente mezquinos sobre el trabajo. Muchos se sintieron agravados por lo que percibieron como un gasto extravagante e innecesario.
Canción de cuna reflexiva de Gregor Kregar. Crédito: Mark Ashkanasy
La canción de cuna reflexiva del artista Gregor Kregar, nacido en Eslovenia y residente en Nueva Zelanda, fue la primera de las Comisiones Southern Way McClelland, un programa que ha posicionado la península de Mornington en el mapa del arte público y la escultura contemporánea a nivel internacional. McClelland ha podido encargar seis esculturas emblemáticas a través del programa, que continuará hasta 2037.
Cuando el trabajo de Kregar fue reubicado en su hogar para siempre En el parque de esculturas de McClelland en 2023, se había forjado un lugar indeleble en los corazones y las mentes de la comunidad local y recibió el sobrenombre de “Frankie”. Las páginas de Facebook se convirtieron en un espacio seguro para que las personas lloraran juntas la pérdida de una figura que se había convertido en un hito en su viaje y, para algunos, en sinónimo de hogar. Algunos se sintieron indignados por el descarado “robo” del ícono popular por parte de McClelland.
En McClelland, cuando hace buen tiempo, Frankie se camufla paradójicamente: su superficie de espejo refleja sólo los eucaliptos que lo rodean. Es, como pretendía el artista, a la vez ridículo y sublime.
Danny Lacy, director artístico, Museo de Arte Shepparton
Hay cierta mística sobre los ángeles de John Perceval, incluido mi elegido, Delinquent Angel. Tenemos tres en la colección y, en cierto modo, son pequeñas criaturas bastante feas, casi un gusto adquirido porque son increíblemente crudas, cada una con su propia personalidad; todos son bastante diferentes, extraños y oscuros. De hecho, me encantan, pero cada uno tiene una reacción diferente: a nuestro director de exposiciones le disgusta muchísimo uno de ellos, por lo que incluso dentro del personal de la galería todos respondemos a ellos de manera muy diferente.
Detalle de Ángel delincuente (1961) de John Perceval. Crédito: Museo de Arte Shepparton
Tuvimos a Delinquent Angel nuevamente en exhibición recientemente y la gente quedó bastante fascinada con él. Se fabricó a principios de los años 60, por lo que ha pasado mucho tiempo desde entonces. Son objetos bastante encantadores con esta mística que los rodea.
Esa es la belleza de las esculturas, son bastante diabólicas en cierto modo, especialmente Delinquent Angel, tiene ese increíble esmalte rojo y cobrizo, no es tu visión tradicional de lo que podría ser un ángel. ¡Creo que cualquiera que tenga niños pequeños probablemente responda bastante bien! Tienen una personalidad real, aunque son de tamaño modesto y ocupan más espacio visual y mental que su tamaño. Siempre los mostramos con mucho espacio físico a su alrededor.
Estas piezas plantean preguntas sobre qué es buen arte, ¿qué valor le das? Ángel Delincuente es una de las obras más preciadas de la colección, hasta el punto de que fue el logo de la galería durante un tiempo. Hubo reacciones encontradas ante la pieza cuando fue adquirida en 1976 por el entonces director Peter Timms. Los recortes de prensa muestran que un concejal se indignó porque la galería había gastado 2.700 dólares en “un objeto de 10 pulgadas”.
Es una señal interesante de los tiempos. Timms era muy respetado y tenía grandes conexiones con artistas y galerías. Hubo un poco de oposición por parte de la comunidad que apoyaba la adquisición.
Stephanie Sacco, curadora de colecciones, Galería regional de la península de Mornington
(Potencialmente) suficiente pintura corporal para tres bailarines de d harding, un artista de Bidjara, Ghungalu y Garingbal, ganó el premio bienal de la Galería Regional de la Península de Mornington, Obras Nacionales sobre Papel, en 2024.
National Works on Paper, uno de los premios de arte más importantes del país y una de las exposiciones más populares del calendario de la galería, celebra el dinamismo de los artistas contemporáneos australianos que trabajan con el papel como medio elegido.
(Potencialmente) suficiente pintura corporal para tres bailarines, de D Harding, ganó el premio Nacional de Obras sobre Papel en 2024. Crédito: MPRG
La obra ganadora generó debate entre los visitantes de la galería. Puede percibirse fácilmente como simplemente pintura blanca sobre una gran hoja de papel una vez doblada. Sin embargo, su poder está en su sencillez.
Como sugiere el título, el artículo presenta la aproximación del artista de suficiente pintura corporal como para que tres bailarines pudieran volver a humedecerla y usarla para pintar sus cuerpos.
Al seleccionar al ganador, los jueces aplaudieron el inteligente uso del papel por parte de Harding, haciéndolo activo, portador de país, cultura, ritual y gente. (Potencialmente) suficiente pintura corporal para tres bailarines es una intersección magistral de la riqueza y profundidad de la cultura continua más antigua del mundo y la relativa novedad de lo contemporáneo.
(Potencialmente) suficiente pintura corporal para tres bailarines es parte de Despliegue: Obras de las Primeras Naciones sobre el papel en la Galería Regional de la Península de Mornington hasta el 15 de febrero. Solicitudes para Obras Nacionales en Papel 2026 Abierto el 2 de febrero.
Lisa Sullivan, subdirectora (curadora), Galería Geelong
“Realmente odio a Collingwood”. “Yo votaría por Trump”.
¿Controversial? ¿Escandaloso? ¿Sentido? ¿O humorístico? Cualquiera que sea su posición, estas son solo algunas de las 106 revelaciones que informan Confessions (2024) de Richard Lewer: una instalación de paneles múltiples que fue adquirida recientemente por Geelong Gallery y actualmente se exhibe en la exposición individual del artista, Solo hablo con Dios cuando quiero algo. El título de la exposición es la confesión del propio Lewer.
Confesiones (2024) de Richard Lewer. Crédito: Andrew Curtis
La obra fue creada a través de un proyecto participativo en la Trienal de la Galería Nacional de Victoria a principios de 2024, donde Lewer escuchó las confesiones personales de los visitantes y luego las pintó en paneles de tablero perforado: un guiño material al confesionario de la iglesia de su infancia en Hamilton, Nueva Zelanda.
Las 104 confesiones adicionales se pueden ver junto con otras obras que revelan el interés de Lewer por la religión, incluidas interpretaciones del Vía Crucis, los Siete Pecados Capitales y El Juicio Final.
Y si bien la Iglesia católica ha estado plagada de controversias y escándalos, éste no es el foco de la respuesta creativa de Lewer al sistema religioso bajo el cual creció. Como él mismo ha dicho: “La religión, con todas sus historias y rituales, siempre me ha intrigado. No tanto por la doctrina, sino por su potencial para moldear el comportamiento humano, ofreciendo una especie de guía moral, un conjunto de reglas sobre cómo podemos vivir más conscientemente”.
Sólo hablo con Dios cuando quiero algo – Richard Lewer Está en Geelong Gallery hasta el 1 de marzo.
Cressida Goddard, Registradora, Colección de arte y patrimonio de la ciudad de Melbourne
En la Segunda Guerra Mundial, un gran número de soldados estadounidenses llegaron a Melbourne, por lo que (presumiblemente) hubo muchas travesuras. A principios de 1942, Melbourne fue el cuartel general inicial del esfuerzo militar aliado en el suroeste del Pacífico y acogió a más de 30.000 soldados estadounidenses.
Este cartel tiene una pequeña nota en la parte superior que dice: “Solo para exhibición en burdeles”, y fue un intento de reducir las enfermedades venéreas. El rostro de la mujer se parece mucho a la mujer de los partidos de las Pelirrojas.
El cartel “No te arriesgues”, de principios de la década de 1940, es parte de la Colección de Arte y Patrimonio de la ciudad de Melbourne. Crédito: Ciudad de Melbourne
No sabemos nada sobre el artista. Normalmente, el nombre del impresor se incluiría en la parte inferior del póster, pero no hay nada allí. Quizás no querían asociarse con este tipo de contenido.
En 2010, hubo una exposición en la City Gallery del Ayuntamiento de Melbourne, llamada Overpaid, oversexed and over here: US Marines in Wartime Melbourne 1943 y el cartel que aparece en esa exposición.
Cargando
Hay 16 salas en la colección de la ciudad de Melbourne, que incluyen Moomba, arte callejero, arte público, fotografía, arte contemporáneo y obras de arte de artistas aborígenes, y luego tenemos una sala de inadaptados, que incluye artículos diversos relacionados con Melbourne y el lugar donde se encuentra el cartel, detrás de la puerta. Es como si estuviera en el rincón travieso.
Si miras de cerca, puedes ver los pliegues, como si alguien lo hubiera doblado y tal vez lo hubiera escondido.
Las visitas guiadas a la tienda Art and Heritage Collection del Ayuntamiento de Melbourne se realizan a las 14.30 h los lunes y de miércoles a viernes (excepto festivos). Entrada gratuita pero imprescindible reserva. Ver citycollection.melbourne.vic.gov.au
The Booklist es un boletín semanal para amantes de los libros de Jason Steger. Recíbelo todos los viernes.
