Cualquier buena actuación de Richard nos encometa, ya que le confía de manera sonriente sus planes malvados, pero Gamble hace que nuestra respuesta emocional a Richard sea más compleja; nos atrae hacia él de una manera que cambie la dinámica de la obra. No solo estamos encantados por su Richard en un sentido astuto y guiñete de guiñada; Estamos encantados hasta el punto de ser ganados, hasta que, por supuesto, su escandalosa hinchazón de sangre se ajusta a nuestra nueva tolerancia.
Vinculación de las ocho obras de teatro con un ciclo cronológico es un proyecto aficionado de “Bardólogos”. Credit: Campbell J Parsons
Steve Rodgers presenta un pícaro memorablemente agradable de un Falstaff. El prodigioso Sir John ha sido retratado como más inteligente o triste, pero rara vez más divertido, en medio de las cuales Rodgers todavía extrae las profundas verdades de su discurso sobre la especificación del honor. Más tarde regresa como el rabioso Jack Cade en Henry VI, y los 17 artistas toman muchos roles, aparte del compositor Jack Mitsch, se dan cuenta principalmente de su propia partitura en la batería, la guitarra o el teclado; Una partitura que hace que los episodios más dramáticos truene, sombreen delicadamente a otros y nunca pisotee el idioma.
Inevitablemente, con las personas que juegan múltiples roles, hay algo de desacuerdo, aunque los veteranos Peter Carroll y John Gaden son uniformemente buenos, incluso cuando juegan silencio y poco profundo para el Falstaff de Rodgers. Gaden es un noble John de Gaunt en Richard II, y Carroll se abre paso a través del camarero de Put-Upon Francis en una animada escena de Henry IV.
Un sello distintivo de la dirección de Ryan es el humor visual nunca laborioso y similar a la levadura que agrega a su cerveza, ya sea como la más mera Grace señala o como adornos de su arsenal de sorpresas. Su hijo, Max Ryan, sobresale como un harry hostspur de alambre en vivo en Henry IV, mientras que el hermano de Max, Oliver, interpreta el contrapunto de Harry, el Príncipe Hal, y su pelea de espadas fraternal ve chispas volando desde sus cuchillas.
La dirección de Ryan crea innumerables momentos de magia, como Hal mirando en un espejo donde el reflejo es promulgado por Andrew Cutcliffe, quien luego se convierte en Hal cuando es coronado Henry V, encapsulando el cambio en la personalidad. Henry de Cutcliffe se define por un discurso del Día de San Crispin más ligero, más íntimo y ligeramente cómico.
Otra pieza de magia se produce cuando Ryan tiene una tropa de soldados ingleses que se someten a un examen médico que se convierten en miembros de la corte francesa en una sauna a través de un repentino florecimiento de toallas. Dicho esto, también hay momentos en que los personajes franceses parecen inclinados a la Escuela de Accidentes de Monty Python.
Un sello distintivo de la dirección de Damien Ryan es el humor visual nunca laborioso que agrega a su cerveza.
Katrina Retallick brilla como una Isabel y apasionada de Richard II, interpretada por Sean O’Shea, quien nos lleva al viaje de ese personaje desde la petulancia real hasta la mortalidad y lo que sería su ordeniness, si no fuera un poeta cuyo exquisito lirismo intensifica a medida que su poder agota.
Gareth Davies, Emma Palmer (una hilarante hojas de lágrimas de muñecas), Christopher Stollery, Marty Alix, Lulu Howes, Leilani Loau y Ruby Henaway tienen sus momentos al sol, con el último jugando a Joan of Arc, la creación más intrigante en Henry Vi. Los crujidos de las llamas cuando se quema son creados por los actores aplaudiendo fuera de sincronización.
Ayudado inconmensurablemente por el set de Kate Beere (con disfraces del siglo XX) y la iluminación de Matt Cox, gran parte de la producción es tan fascinante que en un momento me sorprendió momentáneamente ver a otros miembros de la audiencia a la luz.
Todos nos pusimos y vitoreamos al final, sabiendo que los actores, guiados por la visión de Ryan, acababan de lograr un triunfo de resistencia, así como de su arte, y nosotros, la audiencia, acababa de ser parte de una pequeña porción de historia. No obstante, véalo durante dos días en lugar de uno.
MÚSICA
Suites orquestales de Bach
Orquesta australiana de Brandenburgo
City Recital Hall, 29 de marzo
Revisado por Peter McCallum
★★★
Durante su vida extraordinariamente ocupada como Cantor en Leipzig, Bach todavía encontró tiempo para ser director del Collegium Musicum en esa ciudad, que celebró conciertos semanales en el Café Zimmermann. Los conciertos tuvieron lugar afuera en el verano y en el interior en el invierno y fueron libres, excepto por el precio de una taza de café y el erudito de Bach, Christoph Wolf, sugiere esto como un contexto probable para las actuaciones de las suites orquestales de Bach.
Al tocar en las cuatro suites orquestales de Bach en una plataforma de conciertos moderna y en una sola sesión, la Orquesta Australiana Brandenburg brilla luz en este grupo de obras instrumentales, y también en los diferentes desafíos del equilibrio instrumental las obras.
En un extremo del espectro están los Suites Nos 3 (que se tocó primero) y 4 (que concluyó el concierto), tanto en D. en estos trabajos, probablemente escritos para su rendimiento al aire libre, trompetas, oboes, fagos y timbales se unen al conjunto de cuerdas.
Bajo los gestos teatrales del líder Paul Dyer, quien los alentó a ponerse de pie con brazos extendidos, las trompetas dominaron mientras jugaban, a veces emocionantes y, a veces, a expensas de los detalles de la línea de violín. La primera sección de la obertura tiene arabescos de notas elaborados que conducen a la siguiente descendencia, como gestos de mano corteses que preceden a un arco.
En la Suite No. 3, el tempo lento impidió que se cayeran con una naturalidad completa, pero en la Suite No. 4 al final, el ABO logró un efecto majestuoso y majestuoso. Dyer tomó el conocido segundo movimiento, Air, de Suite No. 3 a un ritmo restringido, aunque la tradición de jugar este trabajo a un tempo lento surge de una transcripción del siglo XIX que se juega completamente en la cadena G del violín (de ahí su apodo) en lugar de cualquier indicación por parte de Bach.
En el otro extremo del espectro de equilibrio se encuentra la Suite Orquestral No. 2 en B menor para cuerdas y Flauto Traverso, interpretado por Melissa Farrow. Esto probablemente fue un trabajo para el rendimiento interior y el tono delicado de Farrow se mezcló discretamente en la obertura. El trabajo de paso fluyó meliflientemente, y cortando las cuerdas de regreso a instrumentos individuales durante los solos permitió que se escuchara la flauta.
Farrow flotó ligeramente en el movimiento final virtuoso, Badinerie. El medio más feliz, en términos de equilibrio, llegó en la Suite Orquestral No. 1 en C de mezcla C con OBOES y Fagot, especialmente en momentos como Gavotte, donde Dyer calmó el sonido al regreso por el contraste.
