Texto normal SizeLarger TEXTO SIMEVER Tamaño de texto grande
La fotografía como recuerdo es una extensión lógica de la flor prensada: la poeta Susan Stewart.
Hace cien años, en la ciudad de Nueva York, un inmigrante siberiano llamado Anatol Josepho dio a conocer su nueva máquina: The Photomaton: un stand de cortinas cerrado donde, por solo 25 ¢, el usuario podría tomar su foto tomada por una máquina y entregada en sus manos en ocho minutos. Años en desarrollo, con una prehistoria demasiado larga para que ingrese aquí, la invención de Josepho fue un éxito salvaje, con personas que se alinean alrededor del bloque.
Dos años después, vendió las regalías de patente y futuras por $ 1 millón, y se mudó a Los Ángeles. Hizo otros inventos, pero nada que haya capturado tan una población hambrienta de verse a sí mismos, y hambriento de ser vistos. En la década de 1940, había más de 30,000 fotomatones en blanco y negro solo en los Estados Unidos, impulsados por soldados que obtuvieron fotos de sus novios para llevar a la guerra.
Anatol Josepho y su esposa, Ganna, con su invención Photomaton. Credit: Bettmann Archive/Getty Images
Hoy, las máquinas analógicas originales son raras. El número fluctúa, pero tengo la buena autoridad de que solo quedan 200 a 400 a nivel mundial. Puedes culpar a la tecnología, la asta digital. Ya no hacen el papel fotográfico, y las máquinas son difíciles de mantener, pero sigue habiendo una camarilla de académicos manteniendo vivo el sueño de fotomatón.
Una hipotética de PhotoBooth: digamos que sucedió en algún momento entre los últimos 50 años en Melbourne. Estabas con amigos, o estabas solo; Estabas bebiendo, saliendo o necesitabas una representación de tu semejanza para algún propósito oficial. Pero la imagen se crujió o se tragó, o tal vez la espera de cuatro minutos se sintió como 50, así que caminaste.
Es posible que haya pensado que ese momento en el tiempo se perdió para siempre. Pero como parte de sus rondas diarias, Alan Adler, propietario/operador de dichos PhotoBooths, que en un momento estaba ejecutando 16 cabinas en toda la ciudad, habría recuperado su tira y la había agregado a su caja de zapatos (no era uno para tirar las cosas).
Adler murió en diciembre del año pasado, a la edad de 92 años, y esas tiras perdidas, junto con las máquinas y la historia, fueron transmitidos a los nuevos propietarios, Jessie Norman y Chris Sutherland, operando como metro-autos-foto. Ahora su franja perdida, parte del tesoro, podría estar recibiendo una emisión pública. Piense en ello como una búsqueda del tesoro de fotografía vernácula, ¿no querrías verla?
Alan Adler con Chris Sutherland y Jessie Norman en el Flinders Street Photobooth en septiembre de 2023.Credit: Luis Ascui
La historia de origen de cómo Norman y Sutherland conocieron a Adler y se convirtieron en sus amigos/conservadores/antorch-tomadores-apoyadores se encuentra en el libro Auto-Photo: A Life in Retrats, (Perimeter Books, 2024). Hecho en colaboración con Daniel Boetker-Smith, director del Centro de Fotografía Contemporánea, y el curador Catlin Langford, el texto celebra el legado de Adler y presenta 50 años de sus tiras de prueba, revelando al hombre detrás de las máquinas.
Alan Adler, retratos de PhotoBooth, impresiones de plata de gelatina.
Auto-Photo: una vida en los retratos, la exposición, explora más a fondo el fotomatón como un objeto cultural significativo de manera juguetona e inmersiva. El plan original era que la exposición y el libro ocurrieran al mismo tiempo, pero el destino (bueno, los recortes de fondos) intervino, y el equipo tuvo que repensar.
Este retraso ha significado que el programa debe continuar sin su estrella, prestando un tono más elegíaco a la empresa. Norman y Sutherland et al están consolados por el hecho de que Adler estuvo presente para el lanzamiento del libro y capaces de tener su tiempo para brillar.
Sutherland dice: “Trató de fingir que no le gustaba la atención, era bastante solitario, tenía toda la vida de lidiar con quejas y problemas y luego, gracias a las redes sociales, finalmente tuvo la oportunidad de ser apreciado”.
Si bien hay un montón de Adler en la exposición: “Miles de sus caras”, Langford dice: “Estas pequeñas tiras … así como su cara de tres metros de altura”-Auto-Photo también se enfoca en las personas que usaron sus Photobooths “para crear arte o para crear memoria”, como la escritora Julie Mac, quién, respondiendo un llamado público, vino armado con álbumes de fotos de sus álbumes de Sharpie de los 1970 “, como la escritora Julie Mac, quien, respondiendo un llamado público, vino armado con álbumes de fotos de sus aguas Langford dice: “Estaba tomando fotos en los años 80 y colorearlas … se parecen a los videoclips de A-Ha”.
Nicky Makin, Photobooth Portrait, c.1980s, estampado plateado de gelatina con tinta amarilla (detalle) .Credit: © Nicky Makin
Langford, quien actualmente está realizando un doctorado sobre la historia de los fotólogos en Australia, habla sobre una serie de periódicos de 1929 que pidió a los miembros del público que presentaran sus tiras que muestran seis emociones diferentes: “Estas increíbles imágenes de australianos, como, como, cabello, mostró que la gente estaba realmente entusiasmada por esta invención. Dirigen a la gente, la gente vio el potencial interpretativo de él”.
Sobre esto, Adler es un caso en cuestión. Aunque sus fotos fueron pruebas, la naturaleza privada de ellas trajo diferentes aspectos de su personalidad: tenemos muecas y sonrisas tontas, ojos rodando o atornillados. En algunos disparos, tomados en casa, tiene un maniquí en disparo, o su gato en su regazo, como los ritmos subversivos en el trabajo cotidiano de su realidad.
Alan Adler, retratos de PhotoBooth, impresiones de tipo C. Credit: © Alan Adler/Metro Auto Photo
El PhotoBooth siempre ha sido un imán para el juego y la expresión artística. El crítico de arte Jonathan Jones escribe sobre los artistas surrealistas Andre Breton, Max Ernst y Salvador Dali como primeros adoptantes. La máquina ejemplificó el concepto de “Readymade”: “eliminó la mente consciente y controladora del fotógrafo y tomó un flujo de imágenes demasiado rápido para que la niñera componiera a sí mismo de cualquier manera más básica …”
Ruth O’Leary, Photobooth Strip, C.2010s, impresión plateada de gelatina. Credit: © Ruth O’Leary
En la década de 1960, los primeros experimentos de Andy Warhol en fotografía y repetición utilizaron el Photobooth. Apreciaba la estética monocromática, uniforme, su facilidad y conveniencia. “¿No es la vida una serie de imágenes que cambian a medida que se repiten?”
Cargando
Al igual que muchos melburnianos, tengo mis propios recuerdos de fotomatón. Como un adulto joven en la década de 1990, afirmando una identidad distinta de mi educación suburbana, una tira fotográfica se sintió talismán. Era una especie de prueba, una forma de reclamar una pequeña parte de la ciudad y el mundo en general. Había algo sobre el ritual del proceso, los pasos conocidos, el resultado tangible, que se sintió significativo. Estaba tomando prestado de la cultura popular, por la forma en que las tiras fotográficas se usaron en películas, especialmente como tótems de romance y recuerdo. Todavía tengo un puñado de ellos (tampoco soy uno para tirar las cosas).
El archivo de Instagram de Norman y Sutherland, @flindersphotobooth, publica tiras enviadas por el público. Norman dice: “Recibimos cientos de mensajes durante todo el año:” Este somos yo y mi esposa en 1974 “. Hemos hecho una cuenta solo para DM, y han tenido esa foto en su billetera todo ese tiempo. O” Esta es la última imagen de mi hermano antes de fallecer “. Es un verdadero viaje en rolleros de emoción. Siempre trato de enviar a los felices a Chris”. Ambos hablan de la fotografía como objeto como parte de la atracción.
“Si tienes menos de 30 años, toda tu vida es intangible”, dice Sutherland. “La realidad es que muchas personas ya no tienen fotos físicas de su familia y amigos, por eso hay algo (sobre la fotografía analógica) que realmente se conecta”.
Katherine Griffiths, Photobooth Beginnings, Chadstone, 1974, impresión de plata gelatina (detalle) .Credit: © Katherine Griffiths
Tengo curiosidad por las relaciones generacionales con la nostalgia. Para aquellos que recuerdan el tiempo antes de los selfies, esta exposición significará una cosa, para generaciones posteriores, algo más. Me pregunto sobre el concepto de “nostalgia prestada”. A los vendedores les gusta decir que la Generación Z, a pesar de ser verdaderos nativos digitales, tienen un intenso anhelo de conexiones del mundo real, así como un agudo radar de mierda y un deseo de encontrar cosas sin la falsa ayuda de los dioses del algoritmo. Teniendo en cuenta esto, tiene sentido que la “revelación” de Adler naciera de las redes sociales, su estofado de cultura visual, comunicación digital, interés público (y orgullo) una forma moderna de conciencia colectiva.
En el PhotoBooth instalado en RMIT durante la duración de la exposición, vi un flujo constante de jóvenes que entraban y salían, esperando la espera, emocionada. Y luego fue mi turno. Recordé la media cortina, el giro demasiado pequeño (felizmente, la máquina aceptó tarjetas). Terminó en segundos. Me sentí ligeramente expuesto de una manera que nunca lo hice en el pasado, todo lo que hace algo público en público. Cuando llegué a casa, puse las nuevas fotos contra la vieja, y sentí la atracción de la nostalgia, pero también una apreciación por el hecho de que este era yo ahora, como es, sin recuperar. Lo daré sentido más tarde.
Foto automática: A Life in Portraits está en RMIT Gallery, del 6 de junio al 16 de agosto.
