Sin embargo, algunos en la multitud están más fácilmente convencidos, con un fanático continuamente que Cabello “sabe lo que pasa” mientras Sassily rompe sus dedos.
La energía en la arena solo se calienta correctamente una vez que Cabello regresa a las pistas que la mayoría de sus fanáticos se enamoraron de ella: el alegre brote latino de Bam Bam y el sonido sensual inspirado en la salsa de La Habana. Aquí, la multitud se agita de emoción, todos balancean sus caderas al unísono casi perfecto.
Camila Cabello no ha actuado en Australia desde su apertura para Taylor Swift durante la gira de reputación. CREDIT: Richard Clifford
Es durante estos momentos, cuando Cabello esencialmente tiene a la multitud comiendo de su mano, que ella misma parece divertirse. Durante la canción pop de Nu-Disco, incluso implora a la audiencia que se quede completamente en silencio, una hazaña rara para un concierto de la arena, antes de aumentar sus vítores nuevamente a su propio orden.
“Me he metido la cara con Tim Tams. Incluso he hecho un Tim Tam Slam. Espero que regresemos a Australia. Volamos nuestros traseros hasta aquí, y has sido la mejor multitud de todos los tiempos. Has sido mejor que el mejor, has sido supersónico”, dice Cabello, antes de lanzarme sin problemas en I Lev It.
Cabello ha dicho que su nueva era es sobre Abrazando la transformación y el cambio. Sin embargo, las mejores partes de su gira son cuando vuelve al sonido que le valió múltiples nominaciones al Grammy en 2019. En última instancia, Cabello tiene más influencia que Swagger, pero tal vez necesitamos aceptar que “nunca será la misma” que antes.
Revisado por Nell Geraets
BAILAR
Escenarios y copia de la copia ★★★★
Casa de baile, Carlton, hasta el 30 de agosto
Ambos trabajos actualmente se muestran en Dancehouse Circle en torno a problemas de replicación e imitación. Estas son fascinaciones duraderas para los coreógrafos, pero lo que hace que esta noche sea interesante es el contraste: un trabajo medita sobre la igualdad, mientras que el otro insiste en la diferencia.
Los escenarios son juguetones pero también íntimos. Credit: Takeshi Kondo
Los escenarios, creados e interpretados por Benjamin Hurley y Scott Elstermann, juegan como un dúo queer de autofascinación. Cada uno funciona como si el otro fuera un espejo, una copia sin gestos originales y duplicados hasta que se parezca a una especie de alucinación soñadora.
Su identidad compartida es realmente una sensibilidad compartida. Una especie de dandyismo rococo por duplicado. Los movimientos están en posición vertical, medido y de forma inmaculada. Es un baile disciplinado, con simetrías obsesivamente trabajadas, sincronicidades y frases largas que se desarrollan con vocalizaciones difíciles.
Picían en bicicleta a través de muchas imágenes o escenarios. Un texto bien elegido insinúa la emoción de verte a ti mismo como otro, mientras que una viñeta más oscura evoca el doppelgänger doblado en la autoaniquilación. Sin embargo, el estado de ánimo sigue siendo juguetón, incluso un poco jodido, a lo largo de estas transformaciones.
La copia de la copia está interesada en la forma en que el baile pasa de cuerpo a cuerpo, maestro a alumno. Credit: Tiffany Garvie
Es lindo pero también íntimo. Al final, la audiencia en sí se convierte en un medio reflectante, colocado ante los gemelos como uno de los espejos que organizan el espacio, como si sus identidades duplicadas requieran que seamos la superficie final en la que se registra su semejanza.
Priya Srinivasan, por el contrario, en la copia de la copia, está menos preocupada por los extraños reflexiones que por la forma en que el baile pasa de cuerpo a cuerpo, maestro a alumno. En esa transferencia, las copias nunca son exactas: se pierde algo y se gana algo más.
Su trabajo es resueltamente teatral, combinando danza, video, interacción de la audiencia e incluso un poco de cocina. Los registros también son múltiples (cómicos, serios, académicos, confesionales, y continuamente cambian. El efecto es de una investigación en capas, organizando la transmisión en sí como un proceso complejo e inestable.
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Central de la actuación es el propio linaje de baile de Srinivasan: sus maestros y los maestros que les enseñaron. Sin embargo, a medida que el trabajo culmina, obtenemos un mapeo más expansivo de conexiones, una serie de nombres deliberadamente abrumador que se extienden desde el presente hasta finales del siglo XVIII, continentes, imperios y colonias.
A medida que los nombres se acumulan, las distinciones se borran: ¿qué conexiones fueron encuentros fugaces y cuáles fueron alimentadas durante muchos años? Sí, tenemos una idea de la densidad del tráfico intercultural, pero el concepto de la copia se vuelve un poco vago y subesdefinado.
Finalmente, si bien hay mucho en qué pensar en esta producción, su éxito como espectáculo descansa directamente con los músicos, Hari Sivanesan, Pirashanna Theevarajah y Ranjitha Suresh, cuya presencia en vivo junto con Srinivasan le da al trabajo su vitalidad especial.
Revisado por Andrew Fuhrmann
