Ismael Serrano regresa a Buenos Aires en 2025 con un espectáculo que promete hacer una gira por el más emblemático de su carrera: Symphonic, A Sense, Play, sincero por su propio trabajo. Con una conexión innegable con el público argentino, el cantante de Madrid -Songwriter reflexiona sobre su relación con la ciudad, el oficio de escribir canciones y cambios en la industria de la música. A lo largo de su carrera, ha logrado un lugar en el corazón de muchos argentinos, que no solo disfrutan de su música, sino que también se sienten identificados con sus letras.
“¿Qué te parece música en este momento del mundo?”
– Estamos en un momento en que se nos ha creído que el pesimismo es una buena opción, que las cosas no pueden cambiar. Vivimos en una era en la que ser indiferente es lo que él ordena, y no creo que sea informal. Hay una celebración de la falta de empatía, un aumento de la bandera de indiferencia. Es algo bastante sorprendente. Por lo tanto, es crucial no sentir que todo ha terminado. De hecho, tienes que hacer lo contrario. Un pequeño momento como un acto sindical comunal y musical representa mucho. Insisto, es importante no sentir que la ausencia de empatía ha ganado.
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“Voli a Argentina con” Sinfónico. “¿Cómo surge este proyecto y cómo fue su proceso de creación?
– Todos comenzaron en 2019, cuando nos invitaron a participar en el festival “único” en Buenos Aires, con la idea de adaptar mi repertorio a una orquesta sinfónica. Fue una experiencia increíble tocar en el Teatro Colón, un lugar mágico. Luego, en 2020, regresamos con una versión sinfónica en el hipódromo. Después de todo el trabajo con los arreglos, sentí que esto no podía dejarse solo en esos conciertos. Comenzamos a grabar en estudio con músicos de Buenos Aires y, por lo tanto, nació sinfónico. Lo que me interesó fue la posibilidad de vestir mis canciones con nuevas texturas, explorando cómo el acompañamiento orquestal podría resignificar mi repertorio. Cada tema adquirió una nueva profundidad, y eso me fascinó. Fue un gran desafío creativo, porque trabajar con una orquesta implica mucho más que solo tocar las canciones de manera diferente; Es como descubrir una nueva vida. El resultado fue algo que nunca imaginé cuando comenzó la idea, y ver cómo la gente la recibió fue muy gratificante.
“Las canciones de Tus generalmente tienen una estructura extensa y compleja”. ¿Componos a la vez o trabajas con el tiempo?
“Antes de compuesto más rápido, pero me he vuelto más exigente con el tiempo”. Ahora dejo que las canciones descansen, vuelvo a ellas y las retomé. Intento que cada verso tenga sentido y no sea un relleno simple. Normalmente empiezo con la letra, que luego se adapta a la música. Nunca escribo sin una idea clara en mi cabeza. Necesito el concepto para perseguirme antes de sentarme a escribir. A veces, una canción puede estar girando en mi mente durante meses antes de sentir una forma definitiva. Es un proceso que me permite encontrar la palabra correcta, con la melodía que mejor acompaña la historia que quiero contar. Este enfoque más reflexivo hace que cada canción sea más sustancia y me permite conectarme de una manera más profunda con lo que estoy diciendo.
“Tu música generalmente no suena en la radio”. ¿Eso te ha dado más libertad o crees que ha sido un obstáculo?
“Él puede ambos”. No escribo pensando en encajar en una fórmula, he logrado sobrevivir a muchos cambios en la industria desde esa edad de oro de los autores de finales de los 90. Muchos compositores buscan éxitos que cumplan ciertos requisitos de duración y estilo, sacrificando parte de su esencia. Hoy, la industria está dominada por algoritmos y formatos diseñados para la inmediatez. Eso afecta la forma en que se escriben las canciones y penaliza la construcción de historias largas, que es lo que más me interesa. Sin embargo, también creo que hay una audiencia que todavía está buscando canciones que cuenten historias, esa pregunta y excite más allá de lo inmediato. Lo que me ha dado que la libertad es el poder de decidir el curso de mi música y no estar vinculado a las presiones del mercado. Por supuesto, eso tiene un costo, porque la visibilidad en los medios de comunicación es más difícil de lograr, pero creo que al final, aquellos que siguen mi música lo hacen por lo que soy y no por lo que dicta el algoritmo.
– En los últimos años se ha visto una segmentación ideológica en la juventud. Has dicho que el futuro de la canción del autor viene con el nombre de una mujer. ¿Crees que esto se refleja en la música actual?
“Sí, y es algo que me interesa mucho”. La canción del autor siempre ha tratado de construir una historia generacional, y ahora esa historia está siendo escrita principalmente por mujeres. La música urbana tiende al individualismo, lo gané solo “, mientras que la canción del autor habla del” nosotros “del colectivo. Artistas como Rozalén están redefiniendo la narrativa con cartas que empoderan y cuestionan los viejos paradigmas. Estoy entusiasmado de ver cómo las nuevas voces toman el puesto y continúan explorando la capacidad de la música para contar nuestra historia. Es un cambio radical en la forma en que entendemos la música y las mujeres de las mujeres. Dar forma a una nueva era, y eso es algo que celebramos a todos los que aman la música.
—Los artistas urbanos parecen seguir el mismo molde en lo visual y temático. ¿Estás preocupado por esta homogeneización?
—Es parte de la estética de lo urbano, donde la competencia es clave. El flujo y la lucha por resaltar genera una uniformidad paradójica. Lo curioso es que, en lugar de promover la diversidad, terminan buscando entre ellos. Lo mismo ocurre con las canciones: están escritos pensando en cómo ajustar el algoritmo, qué colaboraciones pueden darles un mayor alcance. En ese sentido, la canción del autor tiene una libertad diferente, porque no necesariamente sigue la inmediatez del éxito instantáneo. La búsqueda de originalidad y narración de algo más personal hace que la canción del autor sea más arriesgada, pero también más valiosa, especialmente en momentos en que lo superficial y la fusión parece estar dominando el panorama musical.
– ¿Cómo se siente esa reunión con el público argentino, especialmente teniendo en cuenta que harás varios espectáculos en todo el país?
“Siempre es una alegría y responsabilidad”. El público argentino es exigente y apasionado. Cada espectáculo aquí es un déjà vu cargado de emociones, recuerdos e nuevas historias para contar. Este concierto será especial porque cerrará un capítulo importante en mi carrera, y quiero que sea una celebración de la música y el enlace que nos une. La energía del público argentino es única y siempre me deja con ganas de seguir jugando y compartiendo. Además, jugar aquí en Buenos Aires, le da un toque aún más emocional, porque es una ciudad que ha sido testigo de muchas etapas de mi vida y mi carrera. Esta vez, al regresar con un repertorio renovado, una orquesta sinfónica y una conexión más profunda con el público, siento que mi música es más madura, más completa. Es como si la historia de mi carrera se completara en esa etapa, pero al mismo tiempo se abrió un nuevo ciclo lleno de posibilidades. Además, he experimentado un crecimiento personal en todos estos años, y quiero compartirlo con todos los que han estado allí desde el principio y con los nuevos que se unen a esta experiencia.
