La segunda mitad de los años 70 de Nueva York se caracterizó, en el plano musical, por una respuesta visceral a las estructuras progresivas prolongadas que se habían impuesto: Génesis, sí, Pink Floyd y la lista continúan. Al virtuosismo, una parte de la Sociedad de Nueva York, respondió canalizando la violencia de las propias calles con breve triunfos cargados de significado. Esa efervescencia marcó una época. Y había un lugar específico que sirvió como estímulo: el CBGB, cuyas iniciales atraen al “país, bluegrass y blues”. En su nombre completo original había un acrónimo más: Omfug, que se refería a “otra música para edificar gormandizadores (en inglés:” otra música para estimular los glotones). “Su creador, el empresario Hilly Kristal, consideró que, al igual que los voraces consumidores de alimentos, existe el mismo tipo de feligrés de la música: una audiencia que siempre está predispuesta a lo nuevo, sin prejuicios y dispuesto a sorprenderse.
En ese caldo de cultivo efervescente, que básicamente propuso a las bandas que había una audiencia dispuesta a escuchar su material es que el punkrock de Nueva York, una variante fundamental del subgénero. Extraordinariamente, en ese club para la variedad, se dieron mejoras simultáneas, como el surgimiento de las cabezas parlantes, cuya impronta estaba más vinculada a la de la pospunk. Mientras se profundizó una línea, para explorar nuevos horizontes, otra ya se preguntaba qué había allí más tarde. Y los veinte minutos de diferencia, en el mismo bar.
Hubo una restricción fundamental para que toda esta variedad se llevara a cabo y sea dinámica: las bandas deberían traer sus propias canciones. Sin cubiertas. Y así fue como, unos meses después de su apertura, compartían las dos bandas mencionadas, pero también Patti Smith, Blondie, Sonic Youth, Bad Brains, The Clash, Television y una lista que sigue y es un panorama de la época. Que la solicitud de Kristal fue de alguna manera el estímulo que muchas bandas necesitaban para sentir que lo que hicieron era importante, no dio lo mismo. Que el futuro podría ser tan auspicioso como las partes más admirables del pasado inmediato. Un mensaje que sirvió a una juventud rebelde y desorientada como una excusa para llegar al trabajo.
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“Comenzamos a grabar nuestro primer álbum el 2 de febrero de 1976 y lo mezclamos el 19 del mismo mes”, dice Johnny Ramone, el guitarrista de Ramones, en su comando de autobiografía. Acostumbrado a tocar solo en vivo, no entendí “por qué tardó tanto tiempo”.
Eran dos semanas de vértigo, riffs, melodías galopantes y consignas culturales y políticas que eran suficientes para empoderarse y dejar la afirmación de un lugar en la escena de Nueva York que los abrazó y los ungió como los Dioses.
Durante los años 80, el CBGB continuó funcionando como el núcleo del movimiento musical. Fiel a su espíritu de curiosidad por la novedad, se impusieron nuevas formas rocosas y ganaron terreno. El hardcore vivió su edad de oro, con inadaptados en la cabeza, pero también grupos como Reagan Youth, Bad Brains o The Beatie Boys encontraron su lugar allí.
El 27 de septiembre de este año se llevará a cabo un festival que honrará el legado de un centro de contracultura, que en algún momento tuvo que cerrar sus puertas, dejando atrás una importante página de rock.
Será en el K Bridge Park, Brooklyn (Nueva York) y los principales números serán Iggy Pop y Jack White. Se agregan una cuadrícula de bandas que forman parte de la historia del bar. La lista de bandas puede erucir la piel nostálgica de cualquier rockero que alguna vez creyera en la rebelión:
Johnny Marr, Marky Ramone, Sex Pistols, The Damned, Gorilla Biscuits, Melvins, Lambrini Girls, Linda Lindas y Lip Critic y muchos más, que se dividirán en tres escenarios.
Quizás lo más emotivo es que está encabezado por Iggy Pop, fundador de los títeres y una de las principales influencias de los Ramones (junto con las muñecas de Nueva York). La “iguana” tuvo una carrera marcada por la transformación y la búsqueda de la libertad. Siempre activo, compañero de aventuras, rebeliones y amores de David Bowie, Lou Reed y otras efigies de la canción, Iggy siempre tuvo rock como una bandera y es como un monumento vivo, que de hecho regresará a Argentina después de 10 años, unas semanas antes del festival que está revisando aquí. La cita será en el Movistar Arena, el 12 de septiembre. La promesa que se promueve es que abordará sus clásicos como solista, pero también tocará canciones de los títeres, la banda que dio a luz a varias revoluciones, incluido el punk. Entre las últimas obras de Iggy, se destaca la depresión Post Pop, realizada con Josh Homme (que ofició como guitarrista, banda y productor), Dean Fertita de Queens de la Edad de Piedra y Matt Herders de monos árticos. Una súper banda que logró un sonido orgánico y elegante, lleno de canciones que permitieron a Iggy obtener su poderosa voz seria y enamorarse de la madurez y la sofisticación. Fue un álbum de consagración que lo puso en el radar de las leyendas vivos.
La otra cuadrícula inevitable, que vale la pena resaltar mientras tanto el rock and roll, es Jack White. Ese es el que aparece en Iggy Pop habla de una admirable coherencia en aquellos que se propusieron construir el festival, pero también de una característica del ex líder de las rayas blancas: su devoción y respeto por la tradición que lo formó. Siempre cerca de sus héroes, White generalmente pone su gran talento al servicio de las leyendas que admira. Cada participación suya en conciertos, documentales o grabaciones con uno de ellos es una señal de que el rock es un legado que se honra con constancia, técnica, respeto y mucha falta de control.
