La vida tiene una manera de cambiar las expectativas, incluso aquellas que llevan más de un año en desarrollo. El Festival de Cine de Sundance de 2026 fue el último en Park City, Utah, su sede desde 1981 (una década antes de que incluso se le cambiara el nombre en honor al icónico vaquero de su cofundador). Con cualquier final viene la nostalgia, y el recuerdos Han llegado desde que comenzó el año, desde aquellos que asistieron a su última proyección en la Biblioteca hasta cualquiera que sintió la magia del cine independiente manifestada en una tormenta de nieve posterior al estreno.
Y, sin embargo, gran parte de la atención de la comunidad cinematográfica ha sido arrancada del pasado hacia un presente urgente y un futuro incierto. Los horribles asesinatos, ataques y redadas en Minneapolis eclipsaron con razón un fin de semana destinado a descubrimientos animados y guerras de ofertas. En cambio, los invitados priorizaron lo que estaba sucediendo fuera de Park City, vistiendo Pines de salida de hielo y protestando en Main St. En el interior, la charla centrada en los festivales no podía evitar especular sobre el futuro: ¿qué cambiaría y qué no cambiaría el próximo año, cuando Sundance se apodere de Boulder, CO? ¿Qué debería y qué no debería? ¿Qué hay que hacer para preservar lo primero y evitar lo segundo?
Pero las películas, mientras estás con ellas, siempre viven en el ahora, y la lista anual de series episódicas de Sundance (esos afortunados programas de televisión que se ven en la pantalla grande) demostró estar especialmente en sintonía con el presente. No es que títulos como “Worried”, “Freelance” y “Soft Boil” traten directamente de los escuadrones de ataque encargados por el gobierno federal o del aumento global del autoritarismo. Lo que sucede es que se centran en personas que claramente están pasando por eso: en el panorama general y en el pequeño, como parte de un grupo o de manera aguda dentro de sus propias cabezas. Sin embargo, logran levantarse de la cama, poner un pie delante del otro y seguir no sólo sobreviviendo sino viviendo, bueno, eso está bien. Genial incluso. No hay juicio aquí.
Tome “Asesinato 101”. Dirigida por Stacey Lee y producida por Jon Watts, la serie documental de tres partes (inspirada en el podcast de iHeart Media del mismo nombre) narra una clase de sociología de la escuela secundaria que intenta resolver un caso sin resolver local. En 2018, cuando el maestro de Elizabethton, Tennessee, Alex Campbell, asignó por primera vez a sus alumnos a rastrear a un asesino en serie de la era de los 70, hicieron exactamente eso: identificar a un sospechoso con vínculos condenatorios con lo que coloquialmente se conoce como “los asesinatos de las pelirrojas”.
En 2025, Campbell continuó la investigación con una nueva clase y las cámaras de Lee. Los niños revisan archivos de casos, contactan a las autoridades locales e incluso entrevistan a una víctima, todo lo cual expone a cada joven detective a imágenes, ideas y teorías inquietantes. En nuestro clima académico actual (llamémoslo “sensible”), la mera existencia del curso es asombrosa. Es fácil imaginar cómo podrían reaccionar algunos padres si su hijo pasa un semestre estudiando las brutales muertes de hasta 14 mujeres.
Pero para bien y un poco para mal, “Murder 101” no pierde el tiempo con malentendidos de extraños. En cambio, acepta el estado de las cosas y lo aprovecha al máximo. Como documental, los episodios equilibran el progreso de la clase en el caso y las conclusiones generales de su experiencia de “aprendizaje basado en proyectos”. Campbell, como profesora, no se centra en las respuestas. Él ve todo el tablero. Cuando analiza los informes de los medios que reducen a las víctimas a una estadística, señala la práctica problemática al tiempo que enfatiza su humanidad. Y los estudiantes están aquí para ello. Cuando se les plantea un escenario de uno u otro, rechazan etiquetar al presunto asesino como cualquier cosa: no es pura maldad y no es como todos los demás. Él es “ambos” y algo más.
“Algunas personas piensan que esta clase trata sobre asesinos”, dice Campbell. “Pero al final del día, en realidad se trata de ayudar a las personas y descubrir qué habilidades puedes aportar (sociología y otras) para ayudarte a lograrlo”.
En otras palabras, la verdadera obsesión por el crimen de nuestra cultura puede parecer ineludible, incluso en su ciudad natal, pero esa misma obsesión puede ejercerse para inspirar hábitos mediáticos más saludables mientras se trabaja hacia una visión del mundo mejor y más compasiva.
Hannah Metcalf y Christian Lee en ‘Murder 101’ Cortesía de Alex Pritz / Sundance Institute
Los amigos de “Freelance” también están sacando lo mejor de una mala situación. Enfrentados a una economía de trabajo informal mientras intentan lanzar sus carreras, cinco creadores de contenido comparten una casa en Columbus, OH, donde esperan “vencer al algoritmo” con una producción constante de contenido de calidad. Su equipo incluye un rapero, un influencer de moda, un streamer, un entrenador personal y un cineasta, todos ellos dedicados a sus propios proyectos individuales, y el último de los cuales, Lance (Spence Moore II), lidera el equipo de recién llegados en su primer trabajo real: grabar un vídeo de boda.
Sobrevienen travesuras y decepciones, pero “Freelance” se niega a que lo molesten. La comedia de los Turner Brothers, repleta de gráficos en pantalla y personalidades coloridas, está aquí para pasar un buen rato, pase lo que pase, y si bien el piloto de 41 minutos podría beneficiarse de hilos emocionales más fuertes y un guión más ajustado, una comedia de situación divertida es algo que debe atesorarse: en Sundance, en este clima, y cuando hay todas las razones, dentro y fuera de la pantalla, para apagarse.
Lo mismo podría decirse de “Soft Boil”, una comedia clásica de Sundance que se desarrolla en Los Ángeles, sigue a un aspirante a actor y se centra (al menos al principio) en un par de relaciones catastróficas. Lulu (Camille Wormser) es presentada a través de una cinta de audición, grabada por su futuro exnovio, antes de salir corriendo para ser entrevistada para un puesto de niñera a tiempo parcial. La reunión transcurre tan bien como se podría esperar (Lulu, como su nombre lo indica, está un poco fuera de lugar), pero a falta de una competencia más fuerte, la ponen a cargo de dos adolescentes adinerados durante algunas noches a la semana.
Agotada por su entrevista de 30 minutos, Lulu abandona sus planes con sus amigos y se va temprano a casa, solo para ser sorprendida por un cuerpo extra cuando intenta unirse a su novio en la ducha. “Soft Boil” no rompe el molde en su piloto de 23 minutos, pero tiene dos cosas que funcionan: 1) Wormser, cuyas voces tontas y expresiones exageradas le dan a Lulu una entrañable cualidad caricaturesca muy adecuada para una comedia fuera de lugar como esta, y 2) el firme compromiso de la serie de nunca reconocer la extrañeza de Lulu.
Mientras se presenta a un tipo en un bar, Lulu cambia el tono de su voz, murmura peticiones normales y grita lo que otros quizás nunca tendrán el valor de decir en voz alta, todo mientras se abre camino para preguntarle al hombre desconcertado (John Gemberling de “Broad City”) sobre la asfixia, para que puedan tener relaciones sexuales en el baño. Esto es lo que ella es, eso es lo que quiere, estas son sólo las cartas que le han repartido y no se sentirá avergonzada de jugarlas. La excéntrica confianza de Lulu (o, mejor dicho, su confianza en su propia excentricidad) le abre un espacio en un episodio que, por lo demás, es bastante sencillo, todo sin una pizca de juicio.
Ella no se esconde, a diferencia de los temas de la otra entrada de no ficción de la sección Episódica, “El oligarca y el marchante de arte”. Co-creado por Christoph Jörg y Andreas Dalsgaard (quien también dirige), el documental de tres partes examina lo que un periodista del New York Times llama el “juicio del siglo”. Por un lado, está Yves Bouvier, un comerciante de arte que afirma que un antiguo comprador lo ha destruido, profesional y personalmente. En el otro, por supuesto, está el antiguo comprador: Dmitry Rybolovlev, un oligarca ruso y multimillonario. Dice que Bouvier lo engañó durante casi dos décadas: comprando arte por un precio, cobrando a Rybolovlev un precio mucho más alto y luego embolsándose la diferencia.
Rybolovlev, como es de esperarse, no está dispuesto a sentarse para una entrevista. (Su abogado, sin embargo, seguro que sí, y sin pelos en la lengua.) Pero Bouvier se ofrece a los documentalistas, al principio diciendo que quiere “restaurar la verdad”, antes de agregar una declaración de misión más personal: “Quiero hacerle pagar, romperle la cara, castigarlo, para que lo metan en prisión, no a mí”.
“El oligarca y el marchante de arte” es una inmersión fascinante en el interior de una industria muy incompleta y altamente rentable. Gran parte del primer episodio está dominado por cabezas parlantes, pero no importa cuándo Jörg y Dalsgaard encuentran personajes tan coloridos para desentrañar el escándalo de décadas. Aún así, a pesar del deseo innato de saber qué sucede, aún más curioso es un cambio sutil en las expectativas.
Hoy en día, es fácil presentar a los súper ricos como villanos sin alma (la verdad es así de conveniente), y Rybolovlev no entró precisamente en su fortuna de manera limpia. Pero la serie muestra más sospechas hacia el comerciante de arte que hacia el oligarca, tal vez porque él es la persona sentada frente a ellos, tal vez porque realmente logró una estafa de mil millones de dólares, o tal vez porque simplemente hay algo compulsivo en un autoproclamado tomador de riesgos que se niega a dar marcha atrás, incluso cuando es obvio que debería hacerlo, lo que puede incluir participar en este mismo documental.
‘El oligarca y el marchante de arte’ Cortesía de Andreas Dalsgaard/Instituto Sundance
Beneficiarse de la codicia insaciable de un multimillonario es la forma en que Bouvier eligió abrirse camino en la vida, y sin importar el encuadre (que, para ser justos, se centra más en generar tensión que en elegir bando), es difícil culparlo. Así son las cosas en 2026: nadie va a sentir lástima por uno de los hombres más ricos del planeta cuando pierda uno de sus muchos miles de millones de dólares, y ver a “El oligarca y el comerciante de arte” intentar valientemente organizar una pelea justa sólo aumenta las emociones turbulentas (y el valor del entretenimiento).
Juntándolo todo (y guardando lo mejor para el final), está “Preocupado”. Adaptado de la novela de Alexandra Tanner de 2024, “Worry”, y dirigido por Nicole Holofcener, el piloto sigue a Jules (Gideon Adlon) y Poppy (Rachel Kaly), hermanas judías de veintitantos años a la deriva que se aferran entre sí para buscar apoyo mientras el mundo se derrumba a su alrededor. O al menos eso es lo que se siente. Jules tiene un trabajo escribiendo horóscopos que requiere muy poco ancho de banda mental. Sus padres pagan su departamento en una casa de piedra rojiza de Brooklyn, y su mayor inconveniente parece ser que su hermana también decidió vivir allí, en la habitación de invitados que ni siquiera está en uso.
Sin descartar la ansiedad identificable de un huésped permanente que aparece repentinamente en su vestíbulo, esa es solo la preocupación de alto nivel en “Preocupado”. El genocidio en Gaza, la destrucción de cerebros en las redes sociales y la criminal industria de la salud en Estados Unidos son solo algunos de los temas recurrentes que claramente preocupan a Jules y Poppy. Poppy aparece con urticaria nueva, pero se niega a conseguir un epipen debido al gasto (aparentemente). Jules sabe que los influencers de Instagram que llenan su feed están llenos de mierda, pero su maquillaje impecable y sus cuerpos tonificados aún la hacen sentir mal consigo misma. No importa a dónde se dirijan, hay un problema grande y aterrador que los enfrenta directamente a la cara.
Y, sin embargo, “Worried” es histérica, de principio a fin. “Literalmente estás facilitando un genocidio si compras eso (Sodastream)”, le dice Poppy a Jules en una venta en la acera. “¿Estás viendo pornografía en mi sala de estar?” Jules le grita a su hermana, quien responde: “¡No es pornografía! ¡Son imágenes del 11 de septiembre!”. Mientras elabora su último horóscopo, Jules se detiene y dice: “Fóllame, ese es ‘El Rey León'”.
Coescrito por Tanner y Lesley Arfin (quien anteriormente escribió para “Love”, “Brooklyn Nine-Nine” y “Girls”), “Worried” es un piloto pulido construido a partir de actuaciones entrañables y agudas (Kaly está particularmente sintonizada con la energía de Poppy, una niña salvaje al límite), una dirección cálida y directa (los fanáticos de Holofcener estarán encantados) y una empatía profunda y persistente. En la página, hay signos de derecho por todas partes: ¿Un apartamento gratuito en Brooklyn? ¿Un trabajo fácil? ¿Un apartamento gratuito en Brooklyn en una casa de piedra rojiza? (Puedes marcarlo dos veces porque ambas hermanas viven allí. Y porque es increíblemente enorme).
Pero en la pantalla, estás tan atraído por la ansiedad manifiesta de Jules y la angustia interiorizada de Poppy que es imposible sentir nada más que afecto. Su apartamento sólo ofrece el más mínimo refugio de las fuerzas externas, y su verdadero hogar es el uno del otro, lo cual, como saben todos los hermanos, no siempre es fácil encajar. Cualquier alegría que puedan encontrar, cualquier paz a la que puedan aferrarse, bueno, me gustaría estar presente para verlo.
Estamos en 2026 y puede parecer que el mundo se está desmoronando a una velocidad sorprendente. Si la única esperanza a la que puedes aferrarte suena tan sombría como el sentimiento final de Poppy: “Personalmente, creo que nuestros mejores 11 de septiembre todavía están por delante de nosotros”, bueno, no hay que juzgar aquí. Tómalo, lo que puedas, y vive.
