El siguiente artículo es un extracto de la nueva edición de “En revisión de David Ehrlich“,” Un boletín quincenal en el que nuestro principal crítico de cine y editor de críticas principales redondea las últimas críticas del sitio y reflexiona sobre los eventos actuales en el mundo del cine. Suscríbete aquí para recibir el boletín en su bandeja de entrada cada dos viernes.
¡Ahoy, amigos! Y bienvenido a otra emocionante entrega de “en revisión”. Durante las últimas dos semanas, he viajado a lo largo de esta tierra para traerte las más calientes de las nuevas películas más emocionantes de The Fall, incluso si la mejor de ellas, a cierta distancia, fue la que vi en la exótica calle AMC 34th (más como una escalera mecánica tras otra, estoy en lo cierto.).
Aquí hay cinco cosas que aprendí en mis viajes:
Mona Fastvold y Brady Corbet están reescribiendo las reglas
‘El testamento de Ann Lee’
Cuando “The Brutalist” irrumpió en el circuito del festival en esta época el año pasado, parecía una especie de unicornio, así como una venta casi imposible. Doce meses, 10 nominaciones al Oscar y una casi musical más tarde más tarde, se siente como un nuevo tipo de receta para el éxito. ¿Cómo sigues un drama histórico épico sobre un europeo traumatizado que navega a América y construye su propia iglesia? Haces otro, por supuesto.
Los paralelos entre los proyectos futuros de Mona Fastvold y Brady Corbet pueden no rima tan claramente como aquellos entre “lo brutalista” y “el testamento de Ann Lee”, pero lo más emocionante de este golpe no es tanto su superposición temática como su sentido compartido de escala y auto-posesión. En un momento en que Hollywood es alérgico mortal al riesgo y físicamente incapaz de hacer cualquier cosa que cuesta menos de $ 100 millones, el hecho de que Fastvold y Corbet ahora hayan dirigido películas hermosas, radicales y creativas por una fracción de ese costo en Hungría se siente como un nuevo camino a seguir. Claro, ese modelo requiere el tipo de celo y ascetismo más asociados con un movimiento religioso que un conjunto de películas, pero “el testamento de Ann Lee” no es nada si no es un ejemplo ideal de cómo se hace.
Los proyectos de pasión son una espada de doble filo
‘Frankenstein’
La mayoría de las buenas películas tardan un minuto para hacerse, pero este otoño vio los estrenos de varias películas, seguramente más de lo que he hecho espacio para mencionar aquí, que se marinaron durante décadas. Quiero decir, Guillermo del Toro probablemente estaba lanzando su “Frankenstein” a los otros niños en el medio de la clase durante el primer grado, donde su maestro lo obligó a escribir “No seré simpatí con los monstruos” en la pizarra 100 veces como castigo.
Pero el tiempo lo es todo, y a menudo solo parece como si todas las piezas estuvieran cayendo en su lugar. Por un lado, Park Chan-Wook fue debidamente recompensado por esperar 20 años para dirigir “ninguna otra opción”, ya que su adaptación de Donald Westlake, sobre un hombre tan desesperado por otro trabajo en su campo que asesina a los otros candidatos, es perfectamente adecuado para el pivote mundial a IA. Ídem Laura Poitras, quien había estado tratando de hacer un documental de Seymour Hersh desde al menos 2005, pero no logró desgastarlo hasta que los eventos mundiales, específicamente el genocidio en Gaza, le hubieran proporcionado el material que necesitaba para pintar la carrera de su sujeto como periodista de investigación en un retrato más amplio y más maldito de la malfeas estadounidense.
Por otro lado, Del Toro no se ha hecho ningún favor soñando con “Frankenstein” durante tanto tiempo; Su amor por el material es sagrado e impecable, pero se produce más palpablemente en cómo habla sobre la novela de Mary Shelley que en cualquier parte de la película que ha hecho de ella. Soapy, Broad, y tan elegante a pesar de su presupuesto de que era difícil para mí apreciar la trágica belleza del monstruo de Frankenstein (lloro por lo táctil que podría haber sido esta película si Del Toro lo hiciera antes de asociarse con el cine-alguacil Dan Laustsen por “Peak” por cualquier otra persona que se confunda con cualquier otra persona que sea el otro de los pasajeros), lo que sería más apasionado por el apasionado de cualquier otra persona que se equivocara a cualquiera de los otros. cgisores góticos de los últimos 25 años que bien podría cosirse de las partes sobrantes de “Van Helsing”. Creo que hubo un momento en que Del Toro habría reconocido tanto, pero el dinero y la tecnología a esta disposición le han hecho perder de vista el elemento humano que lo llevó a esta historia en primer lugar.
La mayoría de los distribuidores todavía tienen miedo de Palestina
‘La voz de Hind Rajab’
A principios de este verano, escribí sobre el destino de “Sí” de Nadav Lapid y cómo su desaparición posterior a Cananos parecía sugerir que los festivales y los distribuidores tenían miedo de las películas que se atrevieron a enfrentar la atrocidad moral más transparente de nuestros tiempos: el genocidio en Gaza (Kino Lorber ha sido desde entonces los derechos de los usos por “SÍ” y la liberación de Will aquí a principios de 2026). ¿Telluride, Venecia o Tiff hicieron algo para mejorar la situación? Bueno, sí y no.
Telluride, un festival maravilloso cuya necesidad de apaciguar a sus clientes se ha visto sutilmente pero preocupantemente menos aventurero en su programación, descuidada muchas de las películas recientes que presentan el genocidio como su tema principal (“encubrimiento” toca a Gaza con gran propósito, pero solo de paso). En medio de una alineación que estaba absolutamente llena de documentales sobre todo, desde la revolución estadounidense hasta la creación de “megalópolis”, y todos, desde E. Jean Carroll hasta Elie Wiesel, me decepcionó no ver “poner su alma en su mano y caminar”, y solo tomó una medida incierta de consuelación en el hecho de que la transmisión de la transmisión de la transmisión por el país es el cine de la transmisión por el país. El militarismo ha envenenado su cine (no pude verlo yo mismo, pero las reseñas de buzón de la película hacen que suene apropiadamente condenatorio).
TIFF, which stepped on rake after rake in the process of premiering “The Road Between Us: The Ultimate Rescue,” an “inspiring” documentary by TIFF donor Barry Avrich about an Israeli man who saved his family from the violence of October 7, at least provided a venue for the North American premieres of Venice standout “The Voice of Hind Rajab,” as well as Locarno highlight “With Hasan in Gaza” and the Drama histórico emocionante “Palestina 36”. El festival también, si no por su cuenta, fue anfitriona de una protesta fuerte y desafiante frente a la caja de luz el domingo por la noche, que hizo más para que Tiff pareciera relevante y en una conversación con el mundo que la mayoría de las películas que vi allí.
Y, sin embargo, de todas estas películas, solo “Put Your Soul” y “Palestine 36” tienen distribución, pero las imágenes de Kino Lorber y Watermelon, la última de las cuales libera casi exclusivamente películas de Palestina, no se puede esperar que sean la única vida del cine estadounidense al país. (“The Road Between Us” se lanzará en más de 1,000 pantallas en octubre). Los dedos cruzaron que “The Voice of Hind Rajab”, “With Hasan in Gaza” y “Cover-up” encontrarán las casas adecuadas pronto, incluso si solo bajo los auspicios de la temporada de premios.
La ambivalencia está fuera, la emoción está en
‘Hamnet’
No quiero hacer ningún pronunciamiento radical basado en evidencia anecdótica, un pequeño tamaño de muestra y mis propios prejuicios personales (solo broma, soy un crítico de cine, eso es más o menos mi cosa favorita), pero en un momento en que estar en su mundo es un mecanismo de supervivencia a la vez que se siente a través de un mecanismo de supervivencia y una abdicación moral.
Como un cínico introvertido cuyo amor por las películas probablemente puede explicarse en cierto nivel por el hecho de que estar sentado en la oscuridad me permite estar presente pero no percibido, naturalmente luché con la insistencia de Chloé Zhao en liderar cada audiencia de estreno de “Hamnet” en la misma rutina de atención plena que realizó para el elenco y el equipo en el set cada mañana. Respirando profundamente, mirando a la persona a tu lado a los ojos, poniendo tu mano en tu corazón, ese tipo de cosas. No estoy orgulloso de decir que tenía lo contrario del efecto previsto en mí, haciéndome más cauteloso y consciente de sí mismo bastante menos (aunque como alguien a quien se les ha prescrito estimulantes para que me haga menos hiperente durante los últimos 20 años, estoy acostumbrado a ese tipo de contra-intuitividad).
Menos de una hora después, estaba sollozando tanto que la mujer a mi lado comenzó a parecer preocupada. Tal vez fue el aire de la montaña, o que extrañé a mis hijos, o que “Hamnet” resonó conmigo como la historia de un escritor que realiza un viaje de trabajo que lo deja incapaz de detenerse o dar testimonio de una tragedia en casa (twittear sobre las películas en Telluride es básicamente la misma cosa que escribiendo “MacBeth” en el siglo XVII en Londres y no te atreves a sugerir lo contrario), pero me olvidé del resto del cine.
Olvidé que estaba en público, y que dejarte completamente abierto al dolor de los demás puede ser una experiencia paralizante en estos días. Incluso olvidé que Gracie Abrams estaba sentada justo detrás de mí. “Hamnet” nunca será acusado de tener un toque ligero (mi revisión acusó al lágrimas de los “espectadores agrícolas para la humedad”), pero me encontré inesperadamente agradecido por la negativa de Zhao a detenerse, y por la forma en que el sentimentalismo casi pornográfico de su película invitó a su audiencia a participar en el mismo tipo de transferencia emocional que Will Shakespeare y su pobre esposa en Agnes AGNES experiencia.
No es una coincidencia que “Hamnet” se quedara conmigo, incluso más profundo en mis huesos, incluso en el transcurso de los días que siguieron, mientras que el rígido labio superior de “H es para Hawk”, la ambigüedad de “después de la caza” y la inerte ganancia de “La Grazia” lo hizo mucho más difícil involucrarse con esas películas en cualquier nivel. Hay una razón por la cual los últimos cinco minutos de “Jay Kelly” son una de las únicas partes memorables de esa película, así como hay una razón por la cual “Rental Family” pierde puntos por no mejorar el armamento de su melaza, y por qué lo más interesante de “The Smashing Machine” es cuán con gingermente navega entre el dolor y la estabilidad. Nunca ha sido más importante sentirse vivo con el mundo, especialmente para aquellos de nosotros que estamos más inclinados a estar cerrados, y son las películas las que despojaron a las personas de su entumecimiento las que están listas para dejar la marca más grande este otoño.
Las películas se encuentran en el momento
‘No hay otra opción’
En una nota relacionada, aunque algo perpendicular, también fue reveladora ver que varios de los primeros destacados de la temporada son películas que se involucran con nuestro momento actual de frente. Eso es obviamente cierto para “One Battle After Otro” de Paul Thomas Anderson, que se elevó sobre los festivales a pesar de omitirlos a los tres, y, junto con “Eddington”, ofreció la reprensión más abierta a/disculpas para la sabiduría prevaleciente de que muchos de los mejores cineastas de hoy son más cómodos involucrados con el pasado (más en la próxima semana). Pero también fue emocionante ver a Yorgos Lanthimos confrontar la conspiración de la píldora roja Cerebro y la tecnocracia corporativa con “Bugonia”, cuya relevancia para la actualidad se hizo aún más pronunciada por el hecho de que es un remake; A “Bugonia” le puede gustar el barrido e inventiva del mejor trabajo de Lanthimos, pero a veces una brillante caída de aguja de chappell roan es todo lo que se necesita para cerrar la brecha entre cualquier número de mundos diferentes.
No hay tanta suerte en “No otra elección” de Park Chan-Wook (que favorece las baladas pop coreanas clásicas sobre el tipo estadounidense moderno), pero ninguno de los trabajos del maestro se ha picado tan fuerte como esta en la victoria pirrásica de sus últimos momentos, cuando la violencia de “Looney Tunes” de la película se rinde con trastornos en una situación demasiado real. And while “Wake Up Dead Man” might lack the fun and humor of the previous “Knives Out” movies (I found the mystery in this one labored, its major supporting roles underwritten, and Benoit Blanc’s presence frustratingly ornamental), Rian Johnson’s ensemble Netflix movie comes back to life whenever it refocuses its attention on the political underpinnings of its story — on charismatic demagogues, the self-serving cowardice that alimenta su poder y lo absurdo de la política que los une. La menor de la trilogía de Johnson hace más para posicionarla como un tratado coherente contra la indecencia del narcisismo de Trump, y como un testimonio agridulce de la fantasía de resolverlo.
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