“Train Dreams” del director Clint Bentley es el tipo de pieza de época más extraordinario, un absorbente estudio de personajes que muestra total fidelidad a su lugar y tiempo (el noroeste del Pacífico durante la primera mitad del siglo XX), pero que se siente inmediato y atemporal. Bentley y jefes de departamento como la diseñadora de producción Alexandra Schaller y las diseñadoras de vestuario Malgosia Turzanska y Dakota Keller construyen cuidadosamente un mundo meticulosamente elaborado lleno de detalles vívidos que atraen al público a la vida del leñador Robert Grainier (Joel Edgerton) en un nivel visceral y profundamente emocional.
Uno de los elementos más vitales del tapiz de la película es la cinematografía de Adolpho Veloso, que es a la vez dolorosamente hermosa y completamente convincente en su naturalismo: el encuadre de Veloso da la sensación de vida atrapada sobre la marcha, como si por casualidad viajara en el tiempo y se arrojara al bosque con una cámara oculta. Sin embargo, fue necesario un cuidado y una planificación extraordinarios para crear esta sensación de “falta de esfuerzo”; cada composición es exquisita, cada fuente de iluminación cuidadosamente elegida y colocada para lograr el máximo impacto expresivo.
Lo que hace que el trabajo de Veloso sea aún más notable es el hecho de que casi todas estas fuentes de iluminación eran naturales, ya que él y Bentley eligieron trabajar con luz disponible o fuentes como velas que habrían existido en el momento en que tuvo lugar la historia. El resultado es que el público siente el período a un nivel subliminal; Todo se siente real e inmersivo porque no hay trampas ni sensación de modernidad. Irónicamente, la decisión de Veloso de fotografiar digitalmente sólo aumenta la sensación de autenticidad, ya que la sensibilidad del formato a los bajos niveles de luz le permitió capturar imágenes que no habrían funcionado de la misma manera en celuloide.
En el vídeo a continuación, Veloso profundiza en su proceso y explica cómo logró sus impresionantes efectos.
La primera respuesta de Veloso al guión fue que parecía menos una biografía convencional que una pieza de memoria impresionista, y estaba decidido a honrar ese sentimiento en las imágenes. “Solo estábamos tratando de descubrir cómo traducir eso al lenguaje visual”, dijo, señalando que cada decisión fue diseñada para brindarle a la audiencia la experiencia de mirar fotografías antiguas. “Desde la relación de aspecto hasta la forma en que lo enmarcamos, siempre reaccionamos a lo que se suponía que debían sentir los personajes. Es la relación de aspecto habitual para la fotografía fija, que es 3:2. Cuando la miras, tienes la misma sensación que tienes cuando miras tus antiguas fotos familiares”.
Aunque Veloso y Bentley idearon un plan cuidadoso, su enfoque fue responder a lo que los actores estaban haciendo ese día y dejar que eso dictara el bloqueo y la iluminación. Esto fue especialmente cierto en escenas clave como las que ocurren entre Grainier y su familia. “La cámara reacciona más ante los personajes que impone algo cuando está con la familia”, dijo Veloso, y agregó que cuando Grainier está trabajando, el estilo visual cambia en consecuencia. “Es mucho más agresivo, más rápido y más agudo”. Veloso consideró que uno de los placeres de la película era que “nunca sabes lo que te vas a encontrar y simplemente estás ahí con la cámara tratando de darle sentido a algo”.
Veloso y Bentley discutieron brevemente la opción de filmar “Train Dreams” en película, pero decidieron pasar a la tecnología digital por razones tanto estéticas como prácticas. “En las películas de época suele haber muchas capas entre el público y los personajes”, dijo Veloso. “Queríamos eliminar todo lo posible y queríamos que la película se sintiera lo más arraigada posible para que la gente realmente pudiera conectarse con ella. Los actores se convertirían en esos personajes y habitarían esos espacios. Muchas de las escenas están iluminadas por una sola vela o una fogata, y eso no necesariamente sería posible en la película porque no queríamos tener de repente 200 velas en la cabina”.
Los realizadores querían que los actores tuvieran la mayor libertad de movimiento posible, y Veloso sintió que la mejor manera de ocupar menos espacio era filmar digitalmente con Alexa 35. Para obtener la mejor luz posible, colaboró estrechamente con otros departamentos para programar días divididos y aprovechar la belleza natural de los alrededores del lugar. Su asociación con Schaller fue clave, ya que ella construyó una torre desde cero de manera que estuviera orientada a la mejor iluminación posible. “Tuvimos que encontrar un lugar donde pudiera construir la mitad de esa torre de bomberos mirando hacia la puesta de sol”, dijo Veloso, y le dio crédito a todo el equipo por ayudarlo a lograr su visión. “Fue un trabajo en equipo de todos los departamentos para lograr ese enfoque de iluminación”. (Jim Hemphill)
Presentado en asociación con Netflix.
