El título de la última película de Claire Denis adquiere una dimensión literal y figurativa. Hay una cerca real que limita con un sitio de construcción remoto cubierto de polvo. Por un lado, se encuentra Alboury (Isaach de Bankolé), un aldeano local que exige el cuerpo de su hermano muerto que supuestamente fue asesinado en un accidente laboral, y por el otro está la bocina (Matt Dillon), el capataz agotado tratando de impedir su solicitud mientras hace malabares con la llegada de su novia a la ciudad y al gerente de construcción de la muerte de la trabajadora. Sin embargo, como se esperaba de este trabajo conscientemente metafórico, hay otras cercas invisibles en juego: las entre la culpa y la inocencia, el colonialismo y la subyugación, la fuerza y el miedo. Todos colapsan por el final de la película, como se esperan.
Adaptado de la obra “Black Battles With Dogs” de Bernard-Marie Koltès, Denis-Junto con el coguionista de “Stars at Noon” Andrew Litvack y Suzanne Lindon, hija del dos veces colaborador de Denis, Vincent Lindon a través de carne humana, o colores cálidos que contrastan con los espacios sombríos. Gran parte de la acción tiene lugar en la frontera del sitio, con el clima tempestuoso que cubre el espacio emocional que se abre entre un gerente intermedio evasivo y una víctima de principios. Denis llena ese espacio con deseo y terror hasta que casi se vuelven intercambiables.
La negativa de Alboury a comprometer su simple solicitud se abre camino bajo la piel de la bocina, quien rápidamente se da cuenta de las limitaciones de la condescendiente-diplomacia falsa y las tácticas de negociación occidentales, especialmente cuando se despliegan contra alguien empapado en el lenguaje de la opresión. Mientras tanto, Cal (Tom Blyth), el gerente, se está desmoronando bajo el peso de sus acciones; En un momento, canta catásticamente hasta las “camas de Midnight Oil se arde” en su automóvil (“¿Cómo podemos bailar cuando nuestra tierra está girando? / ¿Cómo podemos dormir cuando nuestras camas están quemando?” Va el coro) para comunicar su estado emocional. (Es una de las dos señales de banda sonora en la nariz psicológica en “The Fence”, la otra involucra a “No puedo sacarte de mi cabeza” de Kylie Minogue. Se personifica por los talones que usa para navegar por el paisaje de África occidental, Leone no está preparada para el entorno duro, que explota con alegría condescendiente. Su atracción por ella se vuelve amenazante mientras se resiste a convertirse en la tercera rueda en la relación de Leone y Horn, especialmente teniendo en cuenta la gran posibilidad de que Horn lo venda a la aldea de Alboury.
Los cursos de sensualidad melancólicos a través de la atmósfera en “The Fence”, que compensa parcialmente la puesta en escena y el diálogo torpe que subrayan la tesis. (Ya sea que este último pueda atribuirse al material fuente o a la adaptación, no estoy seguro. La hipocresía y la turbulidad atraviesan la tierra poscolonial como el petróleo, y finalmente se extiende hasta la superficie donde Horn y Cal trabajan irónicamente en proyectos de construcción sobre el suelo, creyeron erróneamente que era seguro.
Presumiblemente acorde el papel de su personaje en la obra original, De Bankolé tiene mucho menos que hacer que sus homólogos blancos. (En su mayoría mira siniestramente en la dirección de Dillon). Pero su resolución de acero causa una impresión de todos modos, especialmente cuando la mera presencia de Alboury comienza a ser percibida como un acto de agresión. Sus motivaciones directas, para devolver a su hermano a la aldea, contrastan con las relativamente oblicuas compartidas por los otros tres personajes. ¿Cal se atrae a Leone porque codifica el estado que confiere su validación, o es porque es una amenaza para su relación con Horn, que podría ser más que platónica? La vida de Leone en Gran Bretaña probablemente era precaria e insegura, pero su decisión impulsiva de trasladarse a un área restringida y de remota en África occidental con un hombre que apenas conoce sugiere una inestabilidad más profunda. La posición de la compañía de Horn, que ofrece un poder relativo pero no a la autoridad total, insinúa la autoconservación como una razón para proteger a Cal de la acusación implícita de Alboury, pero un secreto compartido de su pasado también podría sufrir sus acciones.
Las actuaciones y el guión de la película insinúan estos motivos, pero Denis se niega a proporcionar una imagen completa, prefiriendo que se arremolinen caóticamente dentro del espacio liminal del sitio de construcción. Encerrado por barreras y protegidos por guardias africanos que se llaman como un coro griego, la sede que alberga Horn, Cal y su equipo opera como un agujero negro vacío de contenedores y equipos. La codicia y la explotación son desenfrenadas en un lugar donde la comunidad fue diseñada para prosperar. Denis subraya esta idea cuando Leone, que se pone un vestido rojo al final de la película, atraviesa el espacio oscuro expansivo; El director de fotografía Éric Gautier la enmarca en una toma escalofriante que crea la impresión de que el área se tragará todo. Si bien Horn y Cal se han vuelto demasiado cómodos viviendo en su refugio privilegiado, Leone aclara su lugar disyuntivo dentro del entorno circundante simplemente adoptando su papel como presencia conspicua.
El rendimiento de McKenna-Bruce ocasionalmente puede sentirse impreciso en “The Fence”, pero brilla cuando usa la nesciencia de su personaje para exponer la podredumbre violenta inherente al lugar de trabajo. Dillon, por otro lado, se basa demasiado en una entrega de madera e indicadora, especialmente en las escenas dramáticamente puntiagudas entre él y De Bankolé, que generalmente neutralizan la relativa ambigüedad de la película. Blyth se destaca en gran medida porque su personaje alberga el conflicto más interno, pero su vacilación entre la patrocinación de la intimidación y el accidente lamentable genera un latigazo de latigazo tonal de todos modos.
El impulso narrativo determinista de “The Fence” finalmente demuestra ser la ruina de la película. En algún momento, la película finalmente pasa por los movimientos hasta que su inevitable clímax descendente, momento en el que sus dramáticas deficiencias se vuelven difíciles de ignorar. El mejor trabajo de Denis presenta un núcleo emocional que se abre paso en el subconsciente, evitando explicaciones simplistas y las limitaciones del lenguaje, y profundiza el marco político o de género. “La cerca” sufre de la ausencia de tal pasión, lo que deja sus imágenes texturizadas, aunque afecta intermitentemente en el vacío, sin mucho impacto.
Grado: B-
“The Fence” se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2025. Actualmente está buscando distribución en EE. UU.
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