E y F – se han convertido en sinónimo de tensión, miedo y tiburones, lo que representa el temor primario de ser acechado por un depredador.
Y en gran medida tienen que agradecer “Jaws”.
Hace cincuenta años, el 20 de junio, la exitosa película de Steven Spielberg, junto con su espeluznante partitura compuesta por John Williams, convenció a las generaciones de nadadores que lo piensen dos veces antes de ir al agua.
Como erudito de la historia de los medios y la cultura popular, decidí dar una inmersión más profunda en el poder de permanencia de estas dos notas y aprendí sobre cómo están influenciados por la música clásica del siglo XIX, Mickey Mouse y Alfred Hitchcock.
El primer éxito de taquilla de verano
En 1964, el pescador Frank Mundus mató a un gran tiburón blanco de 4.500 libras en Long Island.
Después de escuchar la historia, el periodista independiente Peter Benchley comenzó a lanzar una novela basada en el intento de tres hombres de capturar a un tiburón que come hombre, basando el personaje de Quint fuera de Mundus. Doubleday encargó a Benchley que escribiera la novela, y en 1973, los productores de Universal Studios Richard D. Zanuck y David Brown compraron los derechos cinematográficos de la novela antes de que se publicara. Spielberg, de 26 años, firmó para ser el director.
Aprovechando los miedos míticos y reales con respecto a los grandes tiburones blancos, incluido un infame conjunto de ataques de tiburones a lo largo de la costa de Jersey en 1916, la novela de 1974 de Benchley se convirtió en un éxito de ventas. El libro fue una parte clave de la campaña de marketing de Universal, que comenzó varios meses antes del lanzamiento de la película.
A partir del otoño de 1974, Zanuck, Brown y Benchley aparecieron en una serie de programas de radio y televisión para promover simultáneamente el lanzamiento de la edición de bolsillo de la novela y la próxima película. El marketing también incluyó una campaña nacional de publicidad televisiva que presentaba el tema de dos notas del compositor emergente Williams. El plan era para un lanzamiento de verano, que, en ese momento, estaba reservado para películas con críticas menos que estelares.
Las películas en ese momento típicamente fueron lanzadas al mercado por Market, precedidas por las reseñas locales. Sin embargo, la decisión de Universal de lanzar la película en cientos de teatros en todo el país el 20 de junio de 1975, condujo a grandes ganancias por adelantado, provocando una carrera de 14 semanas como la película número 1 en los Estados Unidos.
Muchos consideran “Jaws” el primer éxito de taquilla de verano. Catapuló a Spielberg a la fama y inició la larga colaboración del director con Williams, quien obtendría el segundo número más alto de nominaciones a los premios de la Academia en la historia, 54, solo detrás de Walt Disney’s 59.
El corazón de la película de la película
Aunque ahora se considera uno de los mejores puntajes en la historia del cine, cuando Williams propuso el tema de dos notas, Spielberg inicialmente pensó que era una broma.
Pero Williams había sido inspirado en los compositores de los siglos XIX y XX, incluidos Claude Debussy, Igor Stravinsky y especialmente la Sinfonía No. 9 de Antonin Dvorak, “del nuevo mundo”. En el tema “Jaws”, puedes escuchar ecos del fin de la sinfonía de Dvorak, así como los sonidos de otra pieza musical impulsada por el personaje, “Peter and the Wolf” de Sergei Prokofiev.
“Peter and the Wolf” y la partitura de “Jaws” son ejemplos principales de leitmotifs, o una pieza musical que representa un lugar o personaje.
El ritmo variable del ostinato, un motivo musical que se repite, provoca grados intensificadores de emoción y miedo. Esto se volvió más integral a medida que Spielberg y el equipo técnico lucharon con los tiburones neumáticos mal funcionando que habían apodado “Bruce”, después del abogado de Spielberg.
Como resultado, el tiburón no aparece hasta la marca de 81 minutos de la película de 124 minutos. Pero su presencia se siente a través del tema de Williams, que algunos estudiosos de música han teorizado evocan los latidos del thark.
Sonidos para manipular las emociones
Williams también tiene que agradecer a Disney por revolucionar la música impulsada por los personajes en el cine.
Los dos no solo comparten una caja de trofeos rebosantes. También entendieron cómo la música puede aumentar la emoción y magnificar la acción para el público.
Aunque su carrera comenzó en la era del cine mudo, Disney se convirtió en un titán de cine y más tarde, al aprovechar el sonido para establecer una de las mejores estrellas de la historia de los medios, Mickey Mouse.
Cuando Disney vio a “The Jazz Singer” en 1927, supo que el sonido sería el futuro del cine.
El 18 de noviembre de 1928, “Steamboat Willie” se estrenó en el Universal’s Colony Theatre en la ciudad de Nueva York como la primera película animada de Disney para incorporar un sonido sincronizado.
A diferencia de los intentos anteriores de llevar el sonido al cine al hacer que los jugadores de discos tocen o desplegaron simultáneamente músicos en vivo para actuar en el teatro, Disney usó tecnología que grabó el sonido directamente en el carrete de la película.
No fue la primera película animada con sonido sincronizado, pero fue una mejora técnica para los intentos anteriores, y “Steamboat Willie” se convirtió en un éxito internacional, lanzando la carrera de Mickey y Disney.
El uso de música o sonido para que coincida con el ritmo de los personajes en la pantalla se conoció como “Mickey Mousing”.
“King Kong” en 1933 desplegaría hábilmente a Mickey Mousing en una película de acción en vivo, con música imitando los movimientos del gorila gigante. Por ejemplo, en una escena, Kong lleva a Ann Darrow, quien es interpretada por la actriz Fay Wray. El compositor Max Steiner usa tonos más ligeros para transmitir la curiosidad de Kong mientras sostiene a Ann, seguido de ominosos, más rápidos, tonos cuando Ann escapa y Kong persigue a ella. Al hacerlo, Steiner alienta a los espectadores al miedo y a conectarse con la bestia a lo largo de la película, ayudándoles a suspender la incredulidad y entrar en un mundo de fantasía.
Mickey Mousing disminuyó en popularidad después de la Segunda Guerra Mundial. Muchos cineastas lo vieron como juvenil y demasiado simplista para la industria cinematográfica en evolución y avanzada.
Cuando menos es mas
A pesar de esta crítica, la técnica todavía se usaba para obtener algunas escenas icónicas, como el juego de los violines en la ducha, ya que Marion Crane es apuñalada en “Psycho” de Alfred Hitchcock.
Spielberg idolatró a Hitchcock. Un joven Spielberg incluso fue expulsado del lote universal después de escabullirse para ver la producción de la película de Hitchcock de 1966 “Torn Curtain”.
Aunque Hitchcock y Spielberg nunca se conocieron, “Jaws” exhibe claramente la influencia de Hitchcock, el “maestro del suspenso”. Y tal vez es por eso que Spielberg inicialmente superó sus dudas sobre usar algo tan simple para representar la tensión en el thriller.
El uso del motivo de dos notas ayuda a superar los problemas de producción que Spielberg enfrentó dirigiendo la primera película de larga duración que se filmará en el océano. El mal funcionamiento del tiburón animatrónico obligó a Spielberg a aprovechar el tema minimalista de Williams para representar la presencia ominosa del tiburón a pesar de las apariencias limitadas de la estrella depredadora homónima.
Mientras Williams continuaba su legendaria carrera, desplegaría un motivo sónico similar para ciertos personajes de “Star Wars”. Cada vez que apareció Darth Vader, se tocó la “Marcha Imperial” para establecer el tono para el líder del lado oscuro.
A medida que los presupuestos de la película se arrastran más cerca de un medio billón de dólares, el tema de “Jaws”, y la forma en que esas dos notas manipulan la tensión, es un recordatorio de que en la película, a veces menos puede ser más.
Jared Bahir Browsh es profesor asistente de enseñanza de estudios deportivos críticos, Universidad de Colorado Boulder.
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