¿Qué podría aprender el mundo de Nueva Orleans? Esa es la pregunta planteada por la última oferta del Museo de Arte Contemporáneo de Denver: “El futuro está presente, el Harbinger es hogar”.
Un detalle del tríptico de Thomas Deaton titulado “Last Megalopolis”. (Ray Mark Rinaldi, especial para el Denver Post)
Para comprender el espectáculo, ayuda saber un poco de antecedentes, lo más importante que los objetos en exhibición se recicla de “Prospect.6”, la sexta y reciente edición de la exposición de arte bien considerada que se celebra cada tres años en Nueva Orleans.
También ayuda saber que el co-curador de “Prospect.6” fue Miranda Lash, quien también es curadora principal del MCA Denver. Ahí está el vínculo.
Un bit de contexto más importante: el evento original, que se realizó desde noviembre de 2024 hasta febrero, se extendió por toda la ciudad histórica, con un considerable 51 artistas y 21 lugares enumerados en el programa, incluidos lugares tan interesantes como parques al aire libre, una planta de motor Ford cerrada, un club de jazes y espacios de galerías de diversos tamaños y estadísticas. El trabajo estaba muy vinculado a los sitios donde se exhibió, tanto la arquitectura como la actividad, y cayó fácilmente a la categoría de lo que llamamos “arte público”.
La versión de Denver se reduce a 19 artistas y se empaqueta en tres niveles de la sede principal de la MCA en el centro de la ciudad, un escenario que es el polo opuesto del público. El Museo de Denver es un diseño fabuloso, pero también es un templo de arte alto sagrado y moderno, un lugar precioso donde los curadores pueden pasar años reuniendo un solo espectáculo, y que los visitantes tienen que pagar $ 14 cada uno para ingresar.
Ese reposicionamiento radical del material pone un marco muy diferente alrededor de la pregunta aquí: ¿qué podría aprender el mundo de Nueva Orleans? De alguna manera trae claridad. De otras maneras, se siente distante y diluido.
El objetivo del original “El futuro está presente, el Harbinger está en casa” era desmitificar a Nueva Orleans como el lugar mágico y musical que atrae a tantos turistas, y posicionarlo como cualquier otra ciudad, solo uno que está unos pocos pasos por delante de otras ciudades en el sentido de que ya enfrenta los peligros del cambio climático y ha intentado durante mucho tiempo haber intentado con el legar el colonialismo.
Nueva Orleans, igualmente famosa por su trimestre francés y sus inundaciones, está viviendo el futuro al que cualquier otra metrópolis acaba de llegar.
La instalación a gran escala de Eddie Rodolfo Aparicio se inspiró en las torres de transmisión en Los Ángeles. (Ray Mark Rinaldi, especial para el Denver Post)
La premisa es intrigante y el trabajo lo aborda de múltiples maneras, explorando con frecuencia ideas sobre la identidad, la raza, la migración, la gentrificación y las narraciones históricas fabricadas.
Es, en general, un trabajo grande y colorido, y verlo puede ser realmente emocionante. Tomemos, por ejemplo, “Somos mágicos. Somos reales #2”, del artista danés Jeannette Ehlers. La pieza presenta una bola gigante de cabello sintético, con forma de afro, que gira en una habitación cubierta en sus paredes y piso con mantas de emergencia de oro reflectantes.
La instalación inmersiva coloca un peinado que se ha empleado con frecuencia como un símbolo de liberación en la contracultura negra en el centro de un cuerpo más grande. El trabajo del artista aborda el papel de “Estados Unidos y Dinamarca en el comercio de esclavos transatlánticos”, como explica la señalización del museo.
El trabajo brillante te llega, al igual que otras piezas, como la de Eddie Rodolfo Aparicio, que imita tres torres de transmisión eléctrica, cada una de unos 12 pies de altura. Las piezas almohadas recuerdan el paisaje de Los Ángeles, donde creció el artista, pero también se conectan con su historia familiar en El Salvador. Están cubiertos con un mosaico de tela cortada de la ropa de amigos y familiares, recordando cómo su abuela hizo muñecas con la ropa de miembros de la familia que desaparecieron durante la Guerra Civil Salvadora.
Hay tanto trabajo masivo en esta exhibición. El video de dos canales de Tuan Andrew Nguyen “Entre la inquietud”, sobre su familia vietnamita multigeneracional en Nueva Orleans, llena una galería completa de nivel inferior. “Tres silbatos y un aullido” de Shannon Alonzo, una recreación textil del personaje del diablo azul que forma parte de las celebraciones de carnaval en Trinidad y Tobago donde vive y trabaja, cuelga tres pisos del atrio del museo.
Una pintura al óleo de la serie de Brooke Pickett “Qué comer, qué beber, qué dejar por veneno”, de 2024. (Ray Mark Rinaldi, especial para el Denver Post)
La instalación de Blas Isasi, con el título “1,001,532 CE”, abarca la galería del segundo piso del museo. El artista recrea simbólicamente la sangrienta batalla de Cajamarca que tuvo lugar en 1532 en su Perú natal, colapsando la civilización precolombina existente a manos de colonialistas españoles. La pieza de Isasi se establece 1 millón de años en el futuro y hace referencia a las prácticas peruanas tradicionales, como el tejido y la talla, “imaginar una patria en la que la materia orgánica, en lugar de los humanos, dará forma al futuro”.
Lash y el co-curador Ebony G. Patterson toman una apuesta aquí para condensar todas estas obras más grandes que la vida en un espectáculo de museos estándar, muy alejado del contexto de una trienal en toda la ciudad. Responde la forma en que podríamos digerir su concepto.
El entorno original es sin duda una mejora: si va a poner a Nueva Orleans en el corazón de una discusión, ayuda a estar en Nueva Orleans, escuchar, ver y oler el lugar y su gente, para que toda la experiencia sea más espectáculo y menos contar. Allí, la exhibición tiene más propósito.
También hay interés local, y ese es un factor real. El público local se preocupa más por la ciudad donde viven y están más ansiosos por profundizar en el tema de la identidad propia y su posicionamiento global. En Denver, el programa se siente un poco fuera de lugar.
Pero tener el trabajo juntos, en lugar de extenderse entre 51 sitios, también tiene el efecto de intensificar la discusión, y eso lo hace interesante de una manera diferente. En lugar de tener que viajar a través de un paisaje urbano ocupado para recoger estas piezas individualmente, como lo hacen muchas bienales y trienios, el espectáculo del museo las lleva a un diálogo más cercano. Se hablan directamente entre ellos.
Puede haber menos trabajo en esta iteración, y puede estar empaquetado demasiado en el edificio, pero los puntos están conectados. Tenemos una vista amplia de Nueva Orleans, y vemos a dónde conduce y dónde se queda atrás. De esa manera, tiene éxito.
Pero nuevamente, el interés local es un factor. Sin el vínculo curatorial, ¿esta exhibición habría encontrado un lugar en la apretada agenda de la MCA? Es difícil de decir. Las personas que sienten curiosidad por Nueva Orleans apreciarán este experimento. Todos los demás pueden disfrutar del gran arte.
Si vas
“El futuro está presente, el Harbinger está en casa” continúa hasta el 24 de agosto en el MCA Denver. Información: 303-298-7554 o mcadenver.org.
