El thriller de Martin Scorsese de 1991, “El cabo del miedo”, es una de las películas visualmente más dinámicas que jamás haya salido de Hollywood, una avalancha cinética de movimientos rápidos, zooms, cortes rápidos, iluminación barroca y ángulos fuera de lugar, todos diseñados como una extensión de las tensiones turbulentas en el núcleo de la película. Cuando el director de fotografía Eben Bolter se unió a la adaptación de diez episodios para Apple TV del creador Nick Antosca, estaba simultáneamente emocionado y aprensivo ante el desafío de aprovechar el lenguaje visual de Scorsese y el director de fotografía Freddie Francis.
“La película de 1991 tiene mucha atmósfera”, dijo Bolter a IndieWire. “Es Scorsese en su forma más expresiva y juguetona”. Para Bolter, quien filmó el primer episodio de “Cape Fear” antes de alternar con la directora de fotografía Celiana Cárdenas para el episodio restante, la clave fue descubrir cómo reconocer la influencia de la película de Scorsese sin sentirse en deuda con ella, y al mismo tiempo incorporar elementos de la versión de 1962, así como de la novela de John D. MacDonald (“The Executioners”) en la que se basan las tres adaptaciones cinematográficas de “Cape Fear”.
Bolter se sentó con Antosca y el director piloto Morten Tyldum para analizar el estilo de la película de Scorsese y descubrir cómo adaptarla a un formato más largo. “La película de Scorsese hace mucho en sus dos horas de duración”, dijo Bolter. “Tenemos 10 horas, entonces, ¿cómo dejamos que el programa se desarrolle? ¿Cómo no arrojamos todos los juguetes a la pantalla en el piloto y agotamos visualmente a la audiencia? Porque entonces casi no tiene sentido”.
Bolter y sus colaboradores rápidamente descubrieron algunos principios rectores que impulsaron el estilo del piloto y todo lo que siguió, comenzando con la intención de darle a la serie una cualidad voyeurista; Parte de la inquietud que genera el programa proviene de la sensación de que el acosador de Javier Bardem, Max Cady, podría estar observando a los abogados casados Patrick Wilson y Amy Adams en cualquier momento y desde cualquier lugar. “Queríamos utilizar lentes largos y fotografías con zoom para crear la sensación de que alguien está mirando, de que hay una presencia muy lejos”, dijo Bolter. “Y queríamos presentar a Max desde atrás, como una pantera cazando a su presa”.
‘Cape Fear’ Cortesía de Apple
Bolter también decidió emplear zooms impactantes durante la acción que se hicieron eco de la película de 1991, y agregó otras técnicas a la biblioteca visual del programa, plantadas en el piloto y desarrolladas a lo largo de la serie. “Definitivamente quería dejar espacio para que el final de la serie se volviera realmente loco, y todos aceptaron esa filosofía”, dijo Bolter. “Nick, como showrunner, nos apoyó increíblemente a la hora de tomar riesgos. No había casi nada demasiado loco que pudiera proponer. Fue muy inspirador y liberador simplemente mirar una ubicación y decir: ‘Está bien, ¿sabes lo que sería genial si empezáramos al revés y luego hiciéramos esta locura y aterrizáramos en un primer plano extremo en un globo ocular?'”.
En la preparación, Bolter creó un “manifiesto visual” para el programa lleno de referencias del cine, la televisión y la fotografía, pero permaneció abierto a nuevas ideas y oportunidades visuales a medida que surgían durante el rodaje. “Cuando comenzamos a hacer el programa, actualizamos ese documento, tomando imágenes del programa en sí”, dijo Bolter. “Cuando terminamos el Episodio 3, se convirtió en una especie de biblia de la estética del programa. Podríamos dárselo a los directores entrantes para ponerlos al día sobre lo que habíamos hecho hasta ahora, cómo luce el programa, cómo estábamos siendo expresivos y animarlos a decir: ‘Está bien, aquí está nuestra pequeña caja de juguetes. Ve a jugar. Ve a divertirte. Aquí están todas las herramientas, solo imagina tomas locas'”.
Aunque Bolter se preparó meticulosamente, trató de dejarse abierto al mayor descubrimiento posible durante el rodaje. “En el período de preparación, simplemente repasamos escena por escena y en un nivel muy básico decimos: ‘¿Cuál es la historia? ¿Qué estamos transmitiendo a la audiencia mediante imágenes? ¿Cómo se siente? ¿Cómo está el clima? ¿Hace calor? ¿Hace frío? ¿Es esta una familia rica, una familia pobre? ¿Esta persona está feliz, triste, asustada? ¿Estamos con ellos? ¿Los estamos observando desde la distancia?’ Básicamente, simplemente lo superponemos hasta que obtenemos una hoja de ruta de la información importante en la escena”.
Siguiendo esa hoja de ruta, Bolter buscaría el equilibrio adecuado entre rendimiento y estilo visual en cada escena. “A veces la información importante es simplemente dejar que los actores actúen y dejar que la actuación viva, y mantengámonos fuera del camino”, dijo Bolter. “Otras veces, necesitamos aportar algo de atmósfera porque no sucede mucho en la escena desde la perspectiva de la actuación, por lo que en realidad se trata mucho más de la atmósfera que podemos crear con nuestras cámaras. Luego empezamos a pensar: ‘¿Cuál es la toma especial? ¿Dónde podemos hacer algo que no hayamos visto antes?'”
Detrás de escena de ‘Cape Fear’ Cortesía de Apple
De hecho, uno de los grandes placeres de “El cabo del miedo” proviene de que evita la cobertura tradicional: en cada escena, Bolter, Cárdenas y los directores parecen buscar la imagen precisamente correcta para expresar cada emoción e idea específica. “No era ‘amplio, medio, primer plano'”, dijo Bolter. “La pregunta era: ‘¿Dónde está la historia? ¿Cuál es la perspectiva?’ Trazamos todo eso y tenemos un plan en marcha, y ese plan ha sido sometido a pruebas de estrés durante la preparación, y nos sentimos bastante bien al respecto. Luego llegas al set y ves a los actores hacerlo, y a veces tiras ese plan por la ventana”.
Bolter estaba decidido a capturar los matices que Adams, Bardem, Wilson y los demás actores encontraban en sus personajes, incluso si eso significaba comprometer en ocasiones su propio plan de iluminación. “La ecuación que siempre intento descifrar es en qué medida la estética de la escena es fundamental para la narración y en qué medida eso perturbará o inhibirá la actuación”. dijo Bolter. “Si se trata de dos personas en un restaurante y hay cinco páginas de diálogo, y sabemos que querrán explorar e improvisar y que las cosas serán diferentes en cada toma, no es realmente justo para los actores que me tome mucho tiempo para preparar una toma perfecta y luego, dos horas más tarde, hacer lo contrario cuando la actuación ha pasado por 10 iteraciones diferentes”.
Con ese fin, Bolter a menudo tenía la intención de crear un entorno de disparos cruzados donde pudiera capturar la cobertura de varios actores simultáneamente y permitirles hacer riffs. “El costo de esto es la perfección de la iluminación”, dijo Bolter. “No puedes esculpir, moldear y hacer que todo sea tan magnífico como quieres, pero terminas con una escena mucho mejor. Y eso es mucho más beneficioso para todos. No tiene sentido tener una mala escena con una iluminación hermosa. Siempre quiero apoyar la actuación porque creo que es el elemento más importante de la narración visual”.
Otro elemento clave de la narración visual en “Cape Fear” es la sensación de atmósfera cálida del sur (el programa se filmó en Georgia), como transmite la cinematografía: este es uno de los programas o películas más convincentemente sudorosos desde “Body Heat” y “Do the Right Thing”. Bolter era particularmente consciente del clima que llegaba a “Cape Fear” directamente desde una playa invernal en Inglaterra, donde terminó la temporada más reciente de “Slow Horses”. “Si pasas del invierno al verano, realmente sientes la humedad, sientes la atmósfera y tu cuerpo reacciona”, dijo Bolter. Y simplemente lo notas. “Me obsesioné un poco con la mejor manera de capturar eso”.
Para representar el calor en la pantalla, Bolter colaboró estrechamente con todos los departamentos del set, desde arte y vestuario hasta peluquería y maquillaje. “Siempre quisimos mostrar la mayor cantidad de atmósfera posible”, dijo Bolter, “así que siempre usábamos neblina en las habitaciones para crear una atmósfera de niebla. Incluso en los días calurosos y soleados, siempre mojamos la acera como si acabara de llover. Mojamos los árboles y las ventanas, incluso si dejas que se sequen antes de rodar. Incluso usé una barra de llamas y una barra de helio debajo de la lente, para crear ese tipo de efecto de neblina térmica de ‘Lawrence de Arabia'”.
Mientras que el departamento de vestuario agregaba marcas de sudor y el maquillaje constantemente agregaba agua a los rostros de los actores, el departamento de arte usó una pintura ligeramente brillante en todas las locaciones. “Incluso psicológicamente, cuando estás dentro de una casa, las paredes tienen una especie de brillo en lugar de una especie de mate mate”, dijo Bolter. “Es de esperar que todas estas cosas en combinación hayan creado este tipo de atmósfera sudorosa”. El equipo sintió esa atmósfera durante los 140 días de rodaje, que requirieron una intensa resistencia física y mental por parte de todos.
“Hay una verdadera resistencia al filmar televisión”, dijo Bolter. “Particularmente con el calor, y estábamos filmando en un clima bastante severo. Como director de fotografía alterno, tengo pequeños descansos para preparar el próximo episodio, pero el equipo está allí todos los días. Fue un maratón, no una carrera de velocidad. Se trataba simplemente de llegar a la línea de meta”.
“Cape Fear” se transmite actualmente en Apple TV.
