26 de febrero de 2026 – 17:20
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Entiendo
AAA
Simone Young dirige La canción de la tierra de Mahler
MÚSICA
Orquesta Sinfónica de Sydney, 25 de febrero
Revisado por PETER McCALLUM
★★★★★
La Canción de la Tierra de Mahler comienza con frases salvajes, escarpadas y ascendentes del tenor, y termina con la mezzosoprano amainando con suaves pasos de aceptación trascendente: ewig… ewig… (eterno… eterno…)
No estoy seguro de que escuches esto mejor cantado de este lado de la eternidad.
En la canción inicial Drinking Song of the Sorrow of the Earth, el tenor Simon O’Neill mezcló su espléndido sonido wagneriano de holdingtenor con colores de inseguridad, mientras la directora Simone Young midió los ritmos vertiginosos y el estridente estridente de las trompetas y instrumentos de viento SSO como si controlara un corcel petulante.
Simone Young y la Orquesta Sinfónica de Sydney interpretaron una Canción de la Tierra para siempre.
Se convirtió en una canción en la que el vigoroso vigor vislumbra su propio engaño pero sigue adelante a pesar de todo, como si el Siegfried de Wagner hubiera vivido hasta la mediana edad, se hubiera dado a la bebida y hubiera comenzado a preguntarse de qué se trataba.
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En absoluto contraste, la mezzo Alexandra Ionis cantó las líneas descendentes de la segunda canción, The Lonely Man in Autumn, con un tono de tristeza aterciopelada y un resplandor silencioso mientras las cuerdas enhebraban una línea de corcheas murmurantes en el fondo como la medida del tiempo profundo.
Las canciones continuaron alternando entre un vigor inútil y una estasis brillante hasta la última, The Farewell, en la que Ionis, cantando con un control inmaculado y una calidez envolvente, y el instrumento de viento SSO, tocando con moderación finamente modelada (Shefali Pryor, Emma Sholl, Olli Leppaniemi y Todd Gibson-Cornish), evocaron texturas luminosas y sobrias en una línea hasta el infinito.
La inspiración inicial de Mahler para la obra fue una serie de poemas de Hans Bethge que parafraseaban textos chinos sobre la frágil fugacidad de la vida, y un pensamiento similar parece haber informado la inclusión del concierto para piano de Qigang Chen, Er Huang, en la primera mitad. El título hace referencia a un tipo melódico que se encuentra en la ópera tradicional de Beijing dedicada a la reflexión lírica.
Después de un reconocimiento rítmico del país de Adam Manning para dar inicio formal a la temporada 2026 de la SSO, Jean-Yves Thibaudet comenzó el solo inicial al estilo Debussy de esta obra con un tono de dulzura y profundidad sutilmente matizada, progresando hacia una figuración rápida brillantemente resaltada a medida que la melodía se mueve alrededor de la orquesta.
El ambiente es de nostalgia por algo perdido, y el refinamiento y el alto arte de la orquestación le dan al ambiente sentimental un tono convincentemente auténtico y lo alejan de la previsibilidad y los clichés. En un completo cambio de humor, a modo de generoso bis, Thibaudet, Young y la SSO ofrecieron una interpretación magníficamente puntiaguda y hábilmente acentuada de las Variaciones para piano y orquesta de Gershwin en “I got ritmo”.
Thibaudet lo consiguió en abundancia.
La Insoportable Tristeza del Ser
MÚSICA
Martín Hayes
Sala de conciertos Chatswood Concourse, 25 de febrero
Revisado por JOHN SHAND
★★★★½
Martin Hayes sobresale por enunciar la exquisita tristeza del ser. Al igual que la trompeta de Miles Davis o las voces de Billie Holiday y José Carreras, está siempre presente en el sonido y el fraseo del gran violinista irlandés.
Más allá de los aires y lamentos en los que te lo esperas, incluso impregna los jigs y reels –piezas concebidas para bailar– de una melancolía inefable. Es como si, para Hayes, la experiencia humana, a pesar de toda su alegría y ciertamente de todo su humor, estuviera envuelta en dolor y anhelo.
En visitas anteriores, Hayes estuvo con él al fallecido guitarrista estadounidense Dennis Cahill, primero como dúo y luego como dos quintas partes de The Gloaming, quienes dieron uno de los mejores conciertos que he escuchado jamás, del que sus álbumes dan un amplio testimonio.
Martin Hayes con Kyle Sanna. Johannes Napp
Desde entonces, Hayes formó otra banda que amplía los perímetros de la música tradicional irlandesa, The Common Ground Ensemble, y esta vez realiza una gira por Australia con el guitarrista de esa banda, Kyle Sanna.
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Así como Miles buscó sin cesar recontextualizar su trompeta, Hayes toca su violín, así Sanna no es de ninguna manera un reemplazo comparable para Cahill. Nadie podría serlo. Mientras que la guitarra acústica de Cahill impulsó las piezas aceleradas hasta el punto de una emoción explosiva, Sanna utilizó una paleta más amplia de armonía y textura en una guitarra semiacústica, siempre entendiendo lo poco que hay que hacer para enmarcar la maestría de Hayes.
Una vez tocó el ostinato más simple, a partir del cual la línea del violín fue tomando forma gradualmente, como si surgiera de la niebla. Más tarde, cuando regresaron para dos bises muy solicitados, Sanna añadió algunos efectos de pedal para crear un charco líquido en el que ondulaban las notas del violín.
Una maravilla de este idioma es que borra los siglos, haciendo que el tiempo se evapore como un fenómeno lineal. Las melodías antiguas, interpretadas por Hayes y Sanna, todavía pueden quemar las almas de los vivos, mientras que las nuevas de Peadar O’Riada (en cuyo Trathan an Taoide las notas caían como hojas haciendo piruetas lentamente en el aire) garantizan que la tradición nunca se embrutece.
Abundaban los aspectos más destacados. Farewell to Music de O’Carolan tuvo a Hayes en su forma más visceral, comenzando con un efecto de zumbido de Sanna, con el violín pasando de su diáfana habitual a un sonido más áspero, casi rebuznante, y luego gradualmente desvaneciéndose nuevamente, con Sanna simplemente cruzando las sombras de las notas de Hayes.
En tantas piezas, incluidas The Road to Cashel y O’Rourke’s Reel, la sensibilidad rítmica de Hayes era asombrosamente sofisticada, mientras adaptaba la melodía al compás para que pareciera increíblemente ligera, pero tenía innumerables pequeños toques sincopados en el fraseo.
Y siempre, tan pronto como una melodía desarrollaba el más mínimo elemento de impulso, su pierna derecha se levantaba y su pie derecho bombeaba negras en el escenario, aterrizando la belleza y probablemente desgastando su zapato derecho bastante más rápido que el izquierdo.
Bueno, pero no excelente, Charlotte
MÚSICA
buena charlotte
Arena Qudos Bank, 25 de febrero
Revisado por ROD YATES
★★★
Las bandas de pop-punk no mueren, simplemente añaden más pirotecnia a su directo.
Quizás sea una forma de compensar el hecho de que, 30 años después, Good Charlotte ya no es tan fogosa en el escenario como antes.
Afortunadamente, tienen un catálogo de canciones pop-punk que no solo ayudaron a definir la escena a principios de la década de 2000, sino que también están disfrutando de una segunda vida como banda sonora para una generación empeñada en revivir los días de gloria de su juventud.
Good Charlotte tiene un catálogo de canciones pop-punk que ayudaron a definir la escena a principios de la década de 2000. Jordan Munns
En ese frente, la banda cumple con un set repleto de éxitos, desde el alegre final de The Anthem hasta el tema new-wave Keep Your Hands off My Girl y el llamado a las armas del single debut Little Things.
Hay que reconocer que la banda no se apoya únicamente en la nostalgia, ya que transmite material de toda su camaleónica carrera, incluido su octavo álbum, el muy divertido Motel Du Cap de 2025.
Las nuevas canciones son recibidas cortésmente, lo que probablemente sea lo mejor que puede esperar una banda en esta etapa de su carrera.
Lo más destacado del álbum Rejects es tan pegadizo como cualquier cosa en el canon de Good Charlotte.
Sin embargo, combinar Bodies y Mean con un plano Actual Pain del disco Generation Rx crea una pausa a mitad del set de la cual el programa necesita algunas canciones para recuperarse.
Es difícil identificar algún problema evidente en la actuación de la banda, y el vocalista Joel Madden y su hermano gemelo Benji, que toca la guitarra, dan una bienvenida nota de sinceridad al reconocer que Australia fue el primer país en abrazarlos.
Y, sin embargo, algo se siente plano.
En sus mejores momentos, como los estridentes Lifestyles of the Rich & Famous y I Don’t Wanna Be in Love (Dance Floor Anthem), la banda y el público se unen en una alegre y combustible ola de energía que, aunque nace de la nostalgia, se siente muy viva y en el ahora.
Sin embargo, con demasiada frecuencia, el programa se siente como si estuviera llegando a su conclusión, el grupo avanza a través de las canciones de una manera profesional que, en última instancia, está bien.
Es un espectáculo respetable más que espectacular, sólido más que altísimo.
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John Shand ha escrito sobre música y teatro desde 1981 en más de 30 publicaciones, incluso para Fairfax Media desde 1993. También es dramaturgo, autor, poeta, libretista, baterista y ganador del Premio Walkley Arts Journalism 2017. incógnita.
