¿Quién le teme a Virginia Woolf? Teatro Roslyn Packer
Al igual que Elizabeth Taylor y Richard Burton, Martha y George en la célebre película de Mike Nichols ¿Quién teme a Virginia Woolf?, Kat Stewart y David Whiteley están casados en la vida real. ¿Cambió algo la representación del matrimonio más devastado por la guerra del drama? Stewart me dijo en una entrevista que comparten una útil comunicación y confianza mutua, lo que puede haberla ayudado a alcanzar ese punto ideal de una Martha que es aterradora, desagradable y grosera, pero que, sin embargo, nos agrada.
Además de asaltarnos con rabia ciclónica, un intelecto formidable y un ingenio de alambre de púas, Stewart nos dejó vislumbrar a la niña dentro de Martha, que todavía tiene rabietas como cuando era una niña pequeña no amada. Especialmente potente fue el terror desgarrador en su rostro al final.
Si Whiteley no pudo alcanzar las mismas alturas, nos ayudó a comprender el amor que sustenta sus ataques de bombardeo doméstico, específicamente el placer compartido por idear juegos. El George de Whiteley estaba tan estirado que había una electricidad sobre si él o Martha se romperían primero, por muy bien que conocieras la obra. El reparto de la directora Sarah Goodes lo completaron Harvey Zielinski y Emily Goddard, siendo el baile interpretativo de esta última una maravilla en sí misma.
Eloise Snape, quien interpreta a la madre de Alex, enmascara su desesperación con una alegría exterior. Crédito: Phil Erbacher
Mary Jane, Teatro Old Fitz
Aunque nunca conocemos a Alex, el niño de dos años y medio plagado de condiciones médicas críticas desde su nacimiento, es el epicentro de la obra de Amy Herzog sobre la necesidad de compartir cargas, incluso cuando odiamos molestar a los demás. El diálogo de Herzog te sorprende por su autenticidad. Las frases terminan en una exhalación, una expresión facial de desconcierto o una palabra sugerida (normalmente incorrecta) por parte del interlocutor.
Al interpretar a Mary Jane, la madre de Alex, la alegría exterior de Eloise Snape enmascaró un grito desesperado en su interior; un grito que Mary Jane no se atrevió a escuchar, o se haría añicos. Snape te hizo amar a Mary Jane porque es fundamentalmente una persona alegre, a pesar de la desolación que constantemente carcome sus órganos vitales.
Los otros miembros del reparto de la directora Rachel Chant, Di Adams, Sophie Bloom, Isabel Burton y Janine Watson, fueron lo suficientemente buenos no sólo para resistir el soplete de las escenas con Snape, sino también para realzarlas. Watson fue supremo como médico que luchaba por encontrar las palabras que ayudaran a Mary Jane a acercarse a la realidad, sin perforar su feroz positividad.
James Lugton, Simon Maiden y Darcy Kent en True West. Crédito: Prudence Upton
Verdadero Oeste, Teatro Conjunto
Simon Maiden, interpretando a Lee, el hermano del huevo podrido en la cruda obra de Sam Shepard de 1980, creó una tensión cargada de violencia latente; un agujero negro de energía negativa, sus ojos en blanco mirando con odio y resentimiento a su hermano Austin (Darcy Kent), educado en la universidad y de modales apacibles.
Austin tenía a Saul (un James Lugton) interesado en su guión, pero Lee se abrió camino en eso, vendiéndole a Saul una idea tonta para un western moderno que es una gran secuencia de persecución, una metáfora irónica del juego de toda la vida que los hermanos han estado jugando.
La meticulosa producción de Iain Sinclair destacó cómo las dificultades de comunicación de Lee generaban frustración y su inevitable compañero, la agresión, y Maiden y Kent caminaban fascinantemente en el oscilante equilibrio de poder entre ellos. En un momento, Kent, de rodillas, estaba mirando a Maiden, y su actuación fue tan potente que se podía ver en sus ojos el fantasma de la adoración de héroe que alguna vez tuvo por su hermano: todo parte de la instantánea maníaca de Shepard de un Estados Unidos que puede desgarrarse a sí mismo.
Colocar este espectáculo en el pequeño escenario de Hayes fue un triunfo del ingenio. Crédito: Grant Leslie
Los productores, Hayes Theatre
Intento reír todos los días. Algunos días fracaso. Los productores están en esta lista por darme seis meses de risas en una noche. De hecho, reírse de los nazis debería ser una actividad comunitaria rutinaria.
Dirigido por Julia Robertson, este fue uno de los musicales más pulidos que he visto. El detalle en cada línea, voz, gesto, paso de baile, orquestación y elemento de diseño fue estimulante. Podrías simplemente sentarte ahí, absorto en admiración, excepto que te reías demasiado de líneas como: “La necesidad de fusionarnos puede robarnos nuestros sentidos”.
El elenco de 14 de alguna manera logró la brillante coreografía Springtime for Hitler de Shannon Burns en el escenario infantil de los Hayes sin desbordarse e invadir accidentalmente Nueva Zelanda. Anton Berezin destacó como Max, Des Flanagan interpretó a Bloom con la inocencia de un niño de dos años que finge no haberse mojado los pantalones, mientras descifraba las voluntarias insinuaciones que salían de Ulla, deliciosamente interpretada por Alexandra Cashmere.
Jordan Shea era Franz, el colombófilo adorador de Hitler, y los disfraces de Benedict Janeczko-Taylor cubrían un pastel que ya estaba tan casi perfectamente horneado que incluso los neonazis se lo habrían tragado.
