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Hay una escena en Rental Family en la que el actor estadounidense Phillip Vanderploeg, que vive en Japón para sacar provecho de la fugaz fama de un anuncio de pasta de dientes, se enfrenta a la realidad de trabajar para una agencia que lo contrata para interpretar a familiares y amigos de clientes. “Vendemos emociones”, le dicen. “Así es como funciona este negocio. Siempre hay alguien nuevo”.
Por mucho que sea un examen de los matices orgullosos de la cultura japonesa, también es a veces una exploración profundamente conmovedora del mundo moderno como una especie de modelo de alquiler elaborado: un mundo más barato, menos sustancial y quizás menos auténtico que el que heredamos. Para citar el musical de rock Rent, ganador del premio Pulitzer y Tony de Jonathan Larson: “Deja tu conciencia en el tono”.
Brendan Fraser dice que es un “libro abierto”. Crédito: Jason Bell
“¿Cuál es el precio de la autenticidad y qué es performativo y realidad?” pregunta el actor Brendan Fraser, que interpreta a Vanderploeg en la película. “Perder la cara, salvar la cara, es de suma importancia en la cultura japonesa, lo que se reduce a que seamos infaliblemente corteses unos con otros, pase lo que pase. No siempre vemos eso en el mundo de hoy. Ciertamente no lo vemos en lo que se nos transmite desde esta pantalla en la palma de nuestra mano, (y esa es) una razón más por la que estoy seguro de que esta es una película que necesitamos ahora, más que nunca”.
Con 190 centímetros (6 ′ 3 ″) de altura, Fraser tiene una figura imponente mientras entra corriendo a una habitación de hotel de Londres. Está en la promoción de la película, pero en lugar de realizar la entrevista dentro del marco abarrotado y fuertemente iluminado del viaje, nos condujeron a una sala cercana y nos ofrecieron un par de sillones para hablar. A medida que la maquinaria humana se disipa y nos queda hablar, él se relaja en el momento, de alguna manera más grande que la vida, pero también hablado en voz baja.
“El director, Hikari, llegó a esto con la idea de cómo lidiamos con el aislamiento”, dice Fraser. “Lo escribió durante una pandemia: todos vivimos con estos pedazos de vidrio negro (pantalla) frente a nuestras caras, y tiene una cualidad temporal, períodos de atención cortos, forma sobre sustancia. Este hombre, llegó a la colmena de actividad que es Tokio, y aun así logró sentirse absolutamente aislado y terriblemente solo. Es algo que sentimos colectivamente. No estás solo cuando estás solo”.
Shannon Gorman y Fraser en Rental Family. Crédito: SEARCHLIGHT PICTURES
Rental Family explora una microindustria real en la cultura japonesa, en la que una agencia contrata a personas para desempeñar roles como familiares o amigos sustitutos para eventos específicos. A veces el propósito es práctico (la imposibilidad de encontrar alguien más que te acompañe a una boda, por ejemplo), pero también hay capas sociales complejas que la película explora: dolientes en un funeral, un reemplazo de un padre desaparecido, etc.
“Estas son personas que pueden sustituir de manera convincente a aquellos ausentes en la vida de las personas, y cuando la construcción de fantasía de eso linda con la realidad, el área borrosa en la superposición es donde vive esta película”, dice Fraser. “Descubrimos lo que realmente sucede cuando haces esto. Cuando planteas las comprensibles y espinosas preguntas morales y éticas que rodean la participación en algo que realmente podría cambiar la trayectoria de la vida de una persona”.
El resultado es realmente impresionante. Sin pretensiones al principio, la película rápidamente revela una cola emocional compleja, explorando tanto la profunda melancolía de la vida de Vanderploeg, como también los mundos a veces sombríos de sus clientes, anhelando crear emociones significativas, mundos internos privados a menudo desprovistos de ellas. ¿Qué tan real es para él? ¿Y qué pasa cuando finaliza el contrato y personas reales tienen que desconectar las emociones interpretadas?
Mari Yamamoto y Brendan Fraser en Rental Family. Crédito: SEARCHLIGHT PICTURES
“La gente parece ver esta película casi como una catarsis, y no estamos prestando un servicio público al hacer una película; es entretenimiento, por supuesto, pero resuena”, dice Fraser. “Todos hemos sentido que tenemos la nariz pegada al cristal y quieres pertenecer, pero te mantienen alejado, no sabes qué tienes que hacer para entrar. Phillip ciertamente se siente así, y se lo recuerda con bastante frecuencia”.
Nacido en Indianápolis, Indiana, de padres canadienses, los inicios de su carrera lo convirtieron en una especie de ídolo matinal. School Ties (1991), Encino Man (1992), la trilogía The Mummy (1999-2008) y George of the Jungle (1997) lo confirmaron como una cuádruple amenaza de taquilla: actor dramático, actor cómico, hombre de acción y chico pin-up.
Pero si la carrera de Fraser se compone de tres actos, el acto intermedio fue una especie de interregno que lo sacó del centro de atención durante la mayor parte de una década. Estuvo en juego una combinación de factores, incluida la agresión sexual por parte de un periodista (amplificada por la reticencia de la industria a tomarlo en serio), así como la recuperación de las exigencias físicas de filmar sus propias acrobacias cinematográficas, que requirieron cirugía y recuperación.
Su regreso al centro de atención, al que sus fans se refieren divertidamente como el “Brenacimiento”, comenzó con un puñado de papeles más pequeños, incluido el guardia de prisión Gunther en la serie de televisión The Affair, y Robotman en otras dos series de televisión, Titans y Doom Patrol, y luego se aceleró rápidamente con papeles como un gángster en la película policial de época de Steven Soderbergh No Sudden Move (2021) y como el recluso Charlie con obesidad mórbida en la película The Whale de Darren Aronofsky. (2022).
Takehiro Hira y Brendan Fraser en Rental Family. Crédito: SEARCHLIGHT PICTURES
El impacto creativo, comercial y personal de La ballena fue transformador para Fraser, y recibió grandes elogios por infundir en Charlie una humanidad rara y muy conmovedora con la que el público se conectó mientras él luchaba por reconectarse con su separada hija. Richard Roeper, escribiendo en The Chicago Sun-Times, la llamó una “historia empática, inquietante, hermosa y desgarradoramente conmovedora de un hombre destrozado”.
Fraser ganaría el Oscar al mejor actor. En su discurso de aceptación, Fraser agradeció a Aronofsky por “darme un salvavidas creativo y llevarme a bordo del buen barco”. Pero quizás lo más significativo es que el papel le ofreció a Fraser la oportunidad de reescribir la historia de su propia vida y creó una apertura para lo que ahora parece ser un tercer acto aún más extraordinario.
“No tengo nada que ocultar; soy un libro abierto”, dice Fraser con franqueza. “No quiero que leas mi libro necesariamente, ¿quién lo hace? Pero no demasiado grande para admitir que, claro, lucho con la confianza todo el tiempo o con la inseguridad, o como quieras llamarlo, y es liberador reconocer eso y pensar, bueno, ¿qué es lo peor que podría pasar si hago eso, si hago esa revelación? Y no lo sabes hasta que lo haces, y la sorpresa es que no estás solo. Es un lugar en el que no vas a estar solo”.
Brendan Fraser acepta el premio a la mejor interpretación de un actor en un papel protagónico por La ballena en 2023. Crédito: AP
Hablar con él cara a cara revela la curiosa yuxtaposición del yo emocional de Fraser. Es todo una estrella de cine: escultural, imponente y el centro de la habitación en el momento en que entra. Pero también lleva toda su emoción al exterior. Y tiene una especie de naturalidad cruda y no manufacturada que deja poco espacio para el disfraz o el artificio.
Para ser honesto, el regreso de Fraser a la pantalla estuvo en el radar durante algún tiempo. Cuando La ballena estaba en producción, mucho antes de que los críticos rugieran con elogios y los reflectores de los Oscar regresaran poderosamente al rostro de Fraser, el director Steven Soderbergh y yo estábamos hablando. Soderbergh tuvo la oportunidad de ver la película y me aseguró que sería transformadora para Fraser.
Soderbergh debería saberlo. Eligió al actor que entonces tenía 26 años para la serie de antología negra Fallen Angels. En el episodio The Professional Man, Fraser interpretó a Johnny Lamb, un ascensorista que se deja de lado como asesino y se enreda entre su jefe, un mafioso celoso y desquiciado, y su último contrato: asesinar a un objetivo que resulta ser su novio.
Reflexionando sobre el trabajo de Fraser en ese momento, Soderbergh me dijo: “Tiene absoluta valentía, un completo desinterés en cómo se verá. Lo único que le importa es ese tipo, ser ese tipo”.
Brendan Fraser lleva el corazón en la manga. Crédito: AP
Fraser acepta el cumplido cuando repito las palabras de Soderberg, pero con un toque de modestia torpeza. “Eso significa mucho para mí”, dice. “Me dio ese trabajo en su día porque le encantaba el giro del tema de la ficción pulp: un tipo llamado Johnny y un jefe y una dama, sólo que la dama es un tipo. Esa es la sorpresa al final, lo cual es fantástico”.
La carrera de Fraser se compone de colaboraciones con un quién es quién del mundo de la dirección, desde Stephen Sommers (La Momia, 1999) que lo convirtió en un héroe de acción al estilo Indiana Jones, hasta Phillip Noyce (The Quiet American, 2002), Paul Haggis (Crash, 2004), Steven Soderbergh (No Sudden Move, 2021) y Martin Scorsese (Killers of the Flower Moon, 2023).
“Creo que los que más significan para mí son los que simplemente se quitan de tu camino, contratan a las personas adecuadas para hacer lo que tú haces bien y les dejas hacerlo”, dice Fraser. “Aquellos que microgestionan, se vuelve más laborioso, y los que mencionas no son aquellos individuos que microgestionan. En una palabra, confianza. Eso es lo que yo diría”.
Y el chico del cartel, aunque claramente es Brendan Fraser, también es otra persona. Él es Clayton Boone de Dioses y Monstruos. Y él es Rick O’Connell de La Momia. “Es un conjunto de muchas piezas”, dice Fraser. “Esa es una imagen que no envejece, ni pasa hambre, ni sangra, ni tiene una opinión, y ésta sí. Lo miro a veces y pienso, vaya, ese tipo se estaba esforzando demasiado… necesita relajarse, se está esforzando demasiado, necesita que alguien le diga que todo va a estar bien. Necesitaba que un miembro de Rental Family fuera y me ayudara a superarlo”.
Esos hombres también son hombres de un lugar y una época, pero quizás el que más perdura sea Rick O’Connell, gallardo héroe de La Momia. Me encantó la película y me encantó ese personaje, le digo a Fraser. “Estuve allí contigo”, dice, sonriendo con la sonrisa de Rick O’Connell. (Él y su coprotagonista Rachel Weisz repetirán sus papeles en una secuela recientemente anunciada). Fue una actuación que debería haber puesto a Fraser en la cima de la lista para una refundición de Indiana Jones, si Hollywood entendiera entonces cómo la refundición fue tan instrumental en la larga vida útil de franquicias como Doctor Who y James Bond.
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“El lugar y el tiempo… te impresionan y se convierten en parte de nuestra mitología o nuestra narrativa personal”, dice. “Yo también tengo esos momentos. Los tengo. Recuerdo la primera vez que vi Saturday Night Live. Star Wars fue justo aquí en el Odeon en Leicester Square. 1977 con mi hermano. Paralizado, reconecta tu cerebro de alguna manera, ¿verdad? Cuando las películas se ven afectadas, eso es lo que hacen. Y sales sintiéndote cambiado.
“Es un proceso tan voluble… lo que concibes, lo que escribes, lo que preparas y proyectas, filmas, editas, entregas, que está tan alejado de lo que era al principio que te preguntas: ¿cómo nació esta jirafa en esta familia de cebras? Pero pertenece y eso es lo que obtienes. ¿Y todo eso, sea lo que sea, resonará en la audiencia? Esa es la esperanza, supongo, ¿verdad? El sentimiento no vive en un vacío”.
Rental Family abre el 26 de diciembre.
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