Las sílabas tamiles rítmicas se mezclan con el jazz de lo-fi: este es Kanokol Jazz, un experimento del guitarrista y productor con sede en Delhi Rajkanwar Sodhi, donde las matemáticas de Tamil Konnakol (percusión vocal en la música carnática) se encuentran con la facilidad de lo-fi jazz.
Durante décadas, los actos de la diáspora han colocado en capas ragas clásicas sobre los ritmos occidentales, un estilo que se conoció como fusión india o música mundial. Ahora, una nueva ola de músicos locales está cantando en sus lenguas maternas a los sonidos globales, no por un atractivo exótico, sino para decir algo personal.
La canción de Sodhi Kanokol Jazz fusiona ritmos vocales tamiles. Yawar Abdal canta en Cachemira, Madhura Ghane, mejor conocido como Mahi G, Raps in Marathi y muestra su cultura tribal Mahadev Koli en videos. Cada vez más, los artistas cantan en idiomas más allá del inglés y el hindi.
Raghav Meattle, fundador de Artiste Collective First.wav; Varun Parikh, fundador de Bay Owl Studios; Akhila Shankar
“La identidad juega un papel importante”, dice Raghav Meattle, cantante y fundador de First.wav, un colectivo artista. “Más artistas ahora saben que pueden ser auténticos. Comencé a escribir en inglés, y con el tiempo cambié al hindi. Fue porque cuando comencé, mi música estaba centrada en mis experiencias como un joven de 24 años en Mumbai”, dice, explicando que los artistas cantan cada vez más en lenguas regionales, ya que el arte es una forma de expresión personal.
Para Sodhi, que siempre ha creado música de lo-fi con elementos indios, encontrar un disco de Kanokol y combinarlo con jazz fue un experimento. “Esta canción ha atraído a muchas audiencias de Desi en todo el mundo, con la mayoría de los oyentes en la India”, dice, y agrega que es natural que el público se sienta atraído por esa música. “Los elementos indios definitivamente evocarían más emociones porque esto es más identificable para nosotros”, dice.
Hablando sobre cómo más artistas están haciendo música en su lengua materna y trayendo elementos de su región, dice que la ve crecer. “La producción musical es tan accesible, cualquiera puede obtener un DAW (estación de trabajo de audio digital) y comenzar a trabajar. La facilidad de producción ha ayudado a los artistas más nuevos”, dice Sodhi.
En toda la India, plataformas en línea como Spotify y SoundCloud, la curación de la lista de reproducción y la distribución independiente ahora defienden las voces regionales. Varun Parikh, fundador de Bay Owl Studios y director de Abbey Road Institute, Mumbai, segundos esto. “Las plataformas de transmisión permiten una distribución musical descentralizante y democratizante. Por supuesto, los artistas intentan obtener una lista de reproducción para darle a su música un empujón adicional. Pero ya no tienes que ser descubierto solo en las plataformas convencionales”.
Además, los algoritmos de las plataformas de transmisión son un lenguaje agnóstico, otra razón para la confianza del artista. Parikh dice: “La mayoría de los algoritmos no priorizan el lenguaje; se centran en la calidad y el compromiso de la producción. Por lo tanto, puede ser hiperlocal y aún ser globalmente relevante”.
Akhila Shankar, jefa del agregador de música digital Tunecore South Asia, señala que cuando los servicios de transmisión comenzaron en India, la música disponible era en gran parte inglesa. Esto fue, por supuesto, más que ver con el hecho de que el público urbano buscó estas plataformas primero, ya que ya tenían cierta exposición a ellas. “A medida que las plataformas de transmisión fueron más profundas en la India regional, esto cambió, especialmente con el advenimiento de 3G”, dice ella.
Ella agrega que la música regional ya ha existido. Solo vemos que más artistas se vuelven más personales porque hay más caminos disponibles para ellos. Shankar menciona que en los cinco años transcurridos desde el lanzamiento de Tunecore, el inglés ha superado el mercado, seguido de hindi, punjabi, tamil y bengalí. Y también hay una creciente popularidad en la música malayalam.
¿Quién está escuchando música hiperlocal? Toda la India es. Parikh dice: “Los indios son un lenguaje agnóstico cuando se trata de música. Tome la canción, el zafiro, como ejemplo. Son dos artistas que combinan el lenguaje y la música. Los músicos independientes ahora pueden experimentar sin preocuparse por quién lo tomará”.
Meattle cree que esta es la evolución natural de la música, por lo que los oyentes están sintonizados. “En todo el mundo, escuchamos tanta música africana y latina sin comprender el idioma. La canción de Yawar (Abdal) Dilshad apareció en Kerala, aunque incluso si tuviera una letra de Kashmiri. Creo que solo necesita ser un buen idioma. siempre tendrá sustancia ”, dice Meattle.
Shankar dice que el nuevo problema es que se está creando mucha música: 98,000 pistas se lanzan todos los días y del 60 al 70 por ciento de ellas obtienen transmisiones cero. “Todos tienen el mismo acceso a la entrada ahora, pero no para crecer. El próximo desafío es cómo hacer crecer su base de fanáticos”.
¿Eso es preocupante? De nada. “El futuro de la música es multilingüe. Desi Hip-Hop es exclusivamente indio, no es hip-hop estadounidense en hindi”, dice Shankar. “La forma en que los artistas indios se acercan a la música nos da una ventaja. Los artistas en la India están creativamente por delante”, agrega, enumerando ejemplos como la banda de metal Bloodywood, que usan elementos de Dhol.
Parikh agrega que pronto será difícil incluso diferenciar y clasificar la música. “No vamos a poder etiquetar los géneros. Hay tantas capas, culturas, instrumentos únicos diferentes … no hay límite”.
