Tal vez porque el canibalismo viene con el territorio, la película de zombis ha demostrado ser extrañas inmune a una cierta cepa de ataque crítico: el tipo que instintivamente encuentra fallas en la derivada. Este es un subconjunto de cine de salpicaduras que perdura, en gran parte, alimentándose de sus propias piedras de toque. El sinewy, con cargos maestros políticamente cargados del difunto George A. Romero, “Night of the Living Dead” (1968) y “Dawn of the Dead” (1978) entre ellos, han alimentado los cerebros de aspirantes a los aspirantes a los horradores de todo el mundo. En los últimos años, cada anomalía de género remotamente viable se ha replicado rápidamente. “Shaun of the Dead” (2004), con sus irónicas manipulaciones de tono, anticipó una ola de zom-com alegremente irreverentes; Dos thrillers de Asia Oriental, “Train to Busan” (2016) y “One Cut of the Dead” (2019), generaron ramificaciones propias. Mientras tanto, la popularidad de programas como “The Walking Dead”, que se inspiró en una serie de cómics y, más recientemente, “The Last of Us”, de un videojuego, sugiere la facilidad de transmisión de la forma de un medio a otro.
Por lo tanto, estaba más intrigado que consternado al escuchar que el dúo británico Danny Boyle y Alex Garland se reunían, como director y guionista, respectivamente, durante “28 años después”, renovando una colaboración que comenzó, hace décadas, con su sensacional thriller “28 días después”. Lanzado por primera vez en el Reino Unido en 2002, “28 días después” imaginó a un Londres inquietantemente desolado, vaciado a raíz de un “virus de la ira” que había reducido la mayor parte de la población inglesa a depredadores que combinaban las carne: zombies, en otras palabras, aunque la película se refiere a ellos simplemente como “los infectados”. En comparación con los acosadores de bellos lentos de Romero, las hordas de alboroto de Boyle eran demonios de velocidad impenitentes, y empujaron el género a nuevos picos de intensidad de aliento. Lo mismo ocurrió con el corredor de la cámara de mano de mano de Anthony Dod Mantle y un uso sorprendente de video digital, que fundamentó estos frescos horrores en la mundanidad de aquí y ahora.
Aunque “28 años después” comienza con un prólogo breve e desconcertante, ambientado durante los primeros días del brote, ninguno de los personajes de “Reaparga” “28 días después”. En cuanto a los eventos de “28 semanas después”, una secuela de 2007 subestimada, dirigida por el cineasta español Juan Carlos Fresnadillo, parecen haber sido escritos de la línea de tiempo de la serie por completo. Al final de esa película, un lote de los infectados había llegado a Francia, lo que implica que el virus pronto superaría al continente europeo y al resto del mundo. Pero al principio de la nueva película, se nos informa que la infección fue, de hecho, contenida con éxito; Veintiocho años después del brote inicial, solo el Reino Unido permanece bajo cuarentena. Es un golpe agudo e inconfundible en el aislacionismo del Brexit, hasta la pequeña minoría de sobrevivientes no infectados que se han quedado, con una cruel indiferencia, para valerse por sí mismos.
Entre estos sobrevivientes se encuentra un niño de doce años, Spike (Alfie Williams), que está creciendo en una pequeña comuna que parece ser uno de los pocos restos de la civilización inglesa. El pueblo se encuentra en una isla, conectado a tierra firme por una calzada estrecha a la que es accesible solo en la marea baja. Los residentes han aprendido a coexistir pacíficamente y a compartir y conservar sus recursos limitados. (El agua es escasa, pero la bebida parece abundante). Cuando los suministros se reducen, unos pocos valientes hacen breves caminatas hacia el continente para cazar y reunirse. La construcción del mundo aquí es tan vívida, inventiva y atmosférica que con mucho gusto habría visto una película dedicada por completo a los orígenes de esta aldea de la isla: la redacción de leyes y regulaciones, la construcción de barricadas de madera y alambre de púas, la defensa de los atacantes de sangre de sangre y la emergencia gradual aún estable de un camino de vida viable.
Pero Boyle y Garland, obligados por los imperativos del género, corren a través de la configuración con una eficiencia hábil y laboral. Están interesados en este oasis fabricado en humano en la medida en que puedan aventurarse más allá de él. El padre de Spike, Jamie (Aaron Taylor-Johnson), cree que el muchacho es lo suficientemente mayor y lo suficientemente experto con un arco y una flecha, para hacer su primer viaje de la isla. La madre de Spike, la llamada a Isla (Jodie Comer), cree que es demasiado joven, y ella critica a Jamie, su ira exacerbada por una misteriosa enfermedad que la ha dejado delirante y agotada. La trama está bifurcada para otorgar a Padre y Madre el mismo peso dramático. La primera mitad cubre el adoctrinamiento continental de Spike, mientras Jamie lo entrena en supervivencia y, cuando el infectado cruza sus cabezas putrescentes, lo atrae a anotar sus primeros asesinatos. La segunda mitad de la película pisa el viaje aún más desgarrador de Spike con el Isla cada vez más enfermizo, con la esperanza de que pueda ser curada por un medicamento excéntrico, el Dr. Kelson (Ralph Fiennes), quien ha desarrollado estrategias ingeniosas para vivir en el continente, en una armonía sorprendente, entre los depredadores más muertos del mundo. (Kelson es esencialmente una versión más benevolente del coronel Kurtz de “Apocalypse Now”, inequívocamente trastornada pero con su humanidad intacta, y Fiennes, su mirada constante traicionando un brillo de emoción loca y transgresiva, honra la comparación con el Hilt).
Los infectados se han criado y evolucionado a lo largo de las décadas, y ahora vienen en dos tipos fácilmente reconocibles. Algunos son pesados y fáciles de superar; Se arrastran lentamente en el suelo y prefieren el sabor de los gusanos a la carne humana. Los otros son mucho más viciosos; Eligen la ropa, cazan en paquetes y responden a líderes masculinos que se conocen como Alphas, a quienes les gusta decapitar a su presa con sus manos desnudas. (También están tan generosa y prótesis en drogas exageradas, es una maravilla que todo lo que el fracaso no impide su velocidad en el suelo). Se necesitan más que una flecha al cuello para derribar un alfa, pero los otros pueden ser derrotados rápidamente, por lo que no puede fallar a Boyle y su editor, Jon Harris, para suministrar un montón de puertas instantáneas a los que se explican los montages de los matices más ratados de los matices más ratados. Mantle está felizmente de regreso detrás de la cámara aquí, y su flota, el estilo frenético ha sufrido mutaciones significativas propias. Gran parte de la película se filmó utilizando cámaras de iPhone mejoradas, todo mejor para capturar las muchas secuencias de persecución y combate con un virtuosismo ágil y ligero. Pero las imágenes precipitadas de Mantle también conservan una mancha de firma, en la que los lavados de mal humor de gris, evocativamente, con mechones pintorescos de verde, y una puesta de sol dorada sobre la costa del norte de inglés aún puede inspirar una medida de asombro. Nos muestra un mundo que, a pesar de todo su terror, aún no ha renunciado a su belleza natural.
En los últimos años, Garland se ha convertido en un cineasta formidable por derecho propio, y en películas como “Ex Machina” (2014), “Aniquilación” (2018) y “Guerra Civil” (2024) ha convertido a la distopía terriblemente plausible una especialidad personal. Boyle, por su parte, ha inyectado “28 años después” con todo el ingenio y la exuberancia que estaba ausente de su imagen anterior, la triste comedia musical “Ayer” (2019), que imaginaba un mundo en el que los Beatles nunca existieron, horror especulativo de un tipo diferente.
Sin embargo, hay un vínculo divertido, aunque seguido, entre “ayer” y “28 años después”, en la medida en que los personajes sobrevivientes de la última película se sellan en un vacío cultural propio. Spike tiene una figura de acción de Power Rangers, pero, nunca antes había salido de la isla, no tiene conocimiento de los teléfonos inteligentes, Internet o Botox. Tampoco ha leído “Hamlet”, algo que Kelson descubre en uno de los mejores chistes desechables de la película, uno que se siente más juguetonamente apto proveniente de un Shakespeare tan sazonado como Fiennes. Subrayando la referencia de “aldea”, Kelson pasa un tiempo considerable interactuando con cráneos humanos, que ha recolectado y reunido en un monumento imponente a los muertos con tonos de la pintura de 1871 de Vereshchagin “La apoteosis de la guerra”.
El guión de Garland traiciona una fascinación con la cultura, y con el papel del arte tanto en la rehabilitación de la civilización como en la conmemorización del sufrimiento. De principio a fin, “28 años después” desata una cascada de alusiones, un guiño temprano a “Teletubbies” es de alguna manera el más siniestro, lo que le da a la película una calidad de autorreflexividad, una comprensión clara de lo que es y dónde, en los anales de la imagen de movimiento, pertenece. Mientras Spike y Jamie caminan por la calzada, Boyle se hunde audazmente en imágenes en blanco y negro de los jóvenes soldados británicos que marchaban para la batalla durante la Segunda Guerra Mundial, y los clips de Technicolor de “Henry V” de Laurence Olivier, una película que fue agradecida recibida, en 1944, por audiencias británicas de guerra. (En una floritura acumulada, Boyle establece estos pasajes a la recitación escalofriante de “botas” de Taylor Holmes, el poema de 1903 de Rudyard Kipling sobre la monotonía de la vida como soldado británico durante la segunda guerra de Boer).
Tal simulacro del espíritu guerrero inglés le da al subtexto Brexit de la película una mordida extracáfica. Pero la tensión antimilitarista es, en todo caso, menos pronunciada aquí de lo que fue en “28 días después”, en la que una banda de soldados autodenominados demostró ser más repugnante que los propios infectados, o en “28 semanas después”, lo que no tuvo un objetivo demasiado sutil a la ocupación estadounidense de Iraq. Esta vez, Boyle y Garland tienen una provocación más nítida y desagradable en mente. Le han dado a “28 años después” un giro final que, aunque ampliamente presagiado, sacude la historia en una dirección sorprendente y violentamente divertida. En la semana inicial de lanzamiento de la película, esta coda ya ha sido recibida con diversos grados de shock, confusión e hilaridad; Para el público en el Reino Unido, sospecho que ha provocado un sentido de reconocimiento particularmente mareado. Baste decir que Boyle y Garland mantienen su experto en el pop cultural hasta el final, y que ninguno de los nombres de sus personajes, vea cuidadosamente el prólogo, ha sido elegido de manera inactualizada.
El final sirve como un recordatorio útil de que la película de zombis, más que quizás cualquier otra cepa de cine de terror, puede ser un potente director de alegoría, metáfora y polémica. También sirve, de manera algo más desalentadora, para reaparecer los parámetros de una franquicia. “28 años después” no solo es la tercera película de una serie, sino la primera película en una nueva trilogía, cuya segunda entrega: “28 años después: el Templo Bone”, dirigida por Nia Dacosta, se lanzará en enero. Nada de esto es objetable, y mucho menos sorprendente; El cuidadoso empaque, consumo y regurgitación del material de la historia, como se señaló anteriormente, es menos un error que una característica del género. Pero no puede evitar impartir retroactivamente una cierta rotura a la narrativa, que se siente atrapada, con la eficiencia mecánica de “gotcha”, entre dos sujetalibros.
Los momentos e implicaciones más resonantes de la película se encuentran en otro lugar, principalmente, en las relaciones de Spike con sus padres. A lo largo de “28 años después”, Boyle y Garland tienen un objetivo estratégico a lo que algunos podrían clasificar como masculinidad tóxica, una tendencia social a exaltar a los hombres jóvenes con una aptitud por la violencia, y parecen levantar, en la figura de Isla, una visión de la feminidad redentora. Sin embargo, deletrear esta dicotomía es darle mucho énfasis más torpe que el guión. Los actores proporcionan los matices, con una gracia conmovedora: así como Taylor-Johnson atenúa el propio machismo alfa de Jamie con una ternura paterna suave y sencille, la extraordinaria esla que le da a Isla, incluso en su desesperación, una asombrosa dureza del cuerpo, la mente y el espíritu. Incluso cerca del final, eclipsado por una torre de cráneos, es un recurso de cuyo desgarrador rendimiento de rendimiento hacia los monumentales. ♦
